Museo Carmen Thyssen

A la manera del Atlas Mnemosyne de Aby Warburg (1924-1929) o el Musée Imaginaire de André Malraux (1947) –dos métodos de pensamiento con imágenes, fundamentales para la historia del arte y la práctica expositiva en los museos–, el Archipiélago que aquí hemos cartografiado presenta la Colección Suñol Soler como un mapa visual de la creación artística española entre 1960 y 1980, que centró los intereses coleccionistas de su propietario –con especial sensibilidad por la plástica catalana de esos años–. Conformado principalmente en esas fechas, en paralelo a los mismos fenómenos artísticos que Suñol recopilaba, este conjunto se nutrió de adquisiciones directas a artistas o a través de las galerías de referencia del momento, y especialmente gracias a la amistad y colaboración con el galerista y promotor artístico Fernando Vijande.

En el collage de más de cuarenta imágenes que hemos extractado del ecléctico «archipiélago Suñol» se evoca la idea de colección de la que proceden las obras (con sus predilecciones y ausencias), se entretejen y contraponen lenguajes diversos; se infiltran tendencias internacionales entre las españolas; se mezclan otras cronologías (desde los veinte a los noventa); lo mainstream (los grandes referentes de la modernidad internacional y española del siglo XX) convive con expresiones más aventuradas o menos comerciales, y se reflexiona sobre el arte contemporáneo a través de cinco conceptos que afloran recurrentemente en sus múltiples manifestaciones artísticas.

Estas son las islas del archipiélago, vectores también de la propia colección: el individuo y su identidad en crisis, la naturaleza como medio inagotable de creación, las esencias destiladas de las formas visibles, los signos como señales de un nuevo lenguaje visual de comunicación, y la materia primigenia de la que todo surge. Cada una de ellas es autónoma, una exposición en sí misma dentro del mapa general. Pero juntas adquieren su pleno sentido, como versión reducida del universo coleccionista de Josep Suñol y como cartografía de la modernidad artística española entre el final de la dictadura y los inicios de la democracia, entre analogías y divergencias de distintas propuestas abstractas (informalistas –ya en crisis en esas fechas–, geométricas, líricas), figurativas (pop, pintura liberada de los ochenta), experimentales, conceptuales, expresionistas, minimalistas, planas, matéricas, orgánicas, constructivas…

Un montaje, en definitiva, de imágenes dialécticas, de fragmentos que, como el propio coleccionista, hemos juntado para construir un nuevo orden, el de un territorio imaginario y efímero preñado de insularidad y emergido en los márgenes del poder hegemónico del academicismo o la museología clásica.

Luis Gordillo, Piscina azul, 1971. Acrílico sobre lienzo, 147 x 200 cm. Colección Suñol Soler

En este caso será a través del excepcional ejemplo que representan Francisco y Juan Ribalta, y especialmente el primero (pues Juan falleció tempranamente, el mismo año que su progenitor, en 1628), dentro del primer naturalismo valenciano de comienzos del siglo XVII. Su arte, de gran maestría en la descripción realista y cargado de una intensa emoción y patetismo para excitar la devoción y simpatía de los fieles, representa una cumbre creativa del Siglo de Oro, que una selección de diez obras del Museo de Bellas Artes de Valencia permitirá destacar y explicar. Asimismo, la colaboración de ambos en el taller familiar dará pie a ahondar en la producción de la iconografía religiosa, de santos y escenas bíblicas, en el barroco español.


Juan Ribalta, Preparativos para la Crucifixión, 1615
Óleo sobre lienzo, 311,7 x 239,5 cm
Museo de Bellas Artes de Valencia