Museo Carmen Thyssen

Entre sus muchas revoluciones, el arte contemporáneo demostró que lo importante no es tanto ver sino cómo mirar. Siguiendo esa máxima, esta exposición propone al espectador «leer» una narración en imágenes de la Colección Suñol Soler a través de una selección de sus obras más destacadas, entrelazadas por afinidades visuales electivas, para explicar un tiempo concreto del arte español del siglo XX y la memoria viva que de él conservó el empresario, abogado y filántropo Josep Suñol Soler (1927-2019).

A la manera del Atlas Mnemosyne de Aby Warburg (1924-1929) o el Musée Imaginaire de André Malraux (1947) –dos métodos de pensamiento con imágenes, fundamentales para la historia del arte y la práctica expositiva en los museos–, el Archipiélago que aquí hemos cartografiado presenta la Colección Suñol Soler como un mapa visual de la creación artística española entre 1960 y 1980, que centró los intereses coleccionistas de su propietario –con especial sensibilidad por la plástica catalana de esos años–.

En el collage de imágenes que hemos extractado del ecléctico «archipiélago Suñol» se evoca la idea de colección de la que proceden las obras (con sus predilecciones y ausencias), se entretejen y contraponen lenguajes diversos; se infiltran tendencias internacionales entre las españolas; se mezclan otras cronologías (desde los veinte a los noventa); lo mainstream (los grandes referentes de la modernidad internacional y española del siglo xx) convive con expresiones más aventuradas o menos comerciales, y se reflexiona sobre el arte contemporáneo a través de cinco conceptos que afloran recurrentemente en sus múltiples manifestaciones artísticas.

Estas son las islas del archipiélago, vectores también de la propia colección: el individuo y su identidad en crisis, la naturaleza como medio inagotable de creación, las esencias destiladas de las formas visibles, los signos como señales de un nuevo lenguaje visual de comunicación, y la materia primigenia de la que todo surge. Cada una de ellas es autónoma, una exposición en sí misma dentro del mapa general. Pero juntas adquieren su pleno sentido, como versión reducida del universo coleccionista de Josep Suñol y como cartografía de la modernidad artística española entre el final de la dictadura y los inicios de la democracia, entre analogías y divergencias de distintas propuestas abstractas, figurativas, experimentales, conceptuales, expresionistas, minimalistas, planas, matéricas, orgánicas, constructivas…

Luis Gordillo, Piscina azul, 1971. Acrílico sobre lienzo, 147 x 200 cm. Colección Suñol Soler

La España del siglo XVII, regida por la monarquía de los Habsburgo, impulsó con gran empeño e intensidad el arte religioso de la Contrarreforma católica, cuyo objetivo debía ser la persuasión sensorial de las almas para reforzar su fe. Para ello, se apostó por la cultura visual como medio de comunicar la religión y se definieron claramente las funciones de la imagen sagrada: enseñar, deleitar y, sobre todo, conmover. Buena parte del Barroco español estuvo así dominado por el naturalismo, en ocasiones descarnado. La apariencia de realidad impregnó, desde finales del XVI y durante toda la centuria siguiente, la obra de escultores y pintores como Gregorio Fernández, Zurbarán, Martínez Montañés, Velázquez, Espinosa, Murillo, o los Ribalta (Francisco y Juan), cuyas obras centran esta exposición.

En Valencia, donde Francisco Ribalta (1565-1628) desarrolló su producción de madurez y su hijo Juan (1596/1597-1628) toda su breve trayectoria (truncada por su fallecimiento con apenas 30 años), la aplicación de los preceptos de la Contrarreforma y sus consecuencias artísticas eclosionaron durante el pontificado del arzobispo san Juan de Ribera (1532-1611). Bajo sus directrices se fomentó el abandono de la estética manierista y el avance del naturalismo, sobre todo a través de temáticas de la Pasión de Cristo y de imágenes de santidad.

La selección de diez obras procedentes del Museo de Bellas Artes de Valencia que se muestra en esta sala permite ahondar en esa producción de iconografía religiosa, de santos y escenas bíblicas, en el barroco valenciano y español. Y, sobre todo, admirar la maestría en la descripción realista y cargada de intensa emoción y patetismo con que las pinturas de Francisco Ribalta y su hijo y discípulo Juan contribuyeron, en el contexto de fervor religioso del Siglo de Oro, a excitar la devoción y sentimientos de los fieles.

Juan Ribalta, Preparativos para la Crucifixión, 1615
Óleo sobre lienzo, 311,7 x 239,5 cm
Museo de Bellas Artes de Valencia

Como pequeño homenaje desde su tierra natal, que el Museo Carmen Thyssen Málaga organiza con la colaboración de la familia del artista, esta exposición íntima, delicada y minimalista ofrece un fugaz vistazo a un poco de lo mucho que fue el arte de Franquelo. La serie de catorce estampas El lenguaje de las cosas y dos estampaciones fotográficas a partir de los motivos trabajados en ellas no sólo enseñan ese trabajo solitario, casi de ascetismo monacal, y experimental (por el que mereció el premio nacional de grabado en 1998), sino que muestran retazos de su estudio, de los objetos más insignificantes que se acumulaban en él, de forma azarosa y circunstancial, y con los que dio forma a un microcosmos que parece el de un coleccionista de instantes.

Asimismo, dos dibujos de paisajes urbanos de Madrid, su ciudad de adopción, ejemplifican cómo tras las puertas de su estudio el mundo era para Franquelo otro cúmulo más de cosas inertes, de formas organizadas en el espacio, susceptibles de integrar otro bodegón de la vida, en silencio y quietud. Y todo ello con una técnica de sobrecogedora minuciosidad, que desafía al ojo hasta el límite.

Foto: Manuel Franquelo, Naturaleza muerta con pájaro, 2003
Estampación fotográfica al platino paladio sobre papel, 62 x 57 cm
Cortesía del artista © Manuel Franquelo, VEGAP, Málaga, 2026