Museo Carmen Thyssen

Las casi noventa obras de esta exposición conforman un relato sin normas, subjetivo e incitante para la mente y los instintos, con el que invitamos a recorrer más de un siglo de desnudos muy diversos en el arte español.

En un país sin tradición histórica en un género artístico que en otros lugares fue central para los creadores, la representación del individuo al natural nace realmente con la modernidad, a finales del siglo XIX y sobre todo en el primer tercio del XX, como una insurrección contra el ideal académico y como un desvelamiento progresivo del cuerpo. El desnudo transitó así de un canon pretendidamente universal de perfección física, con el que los antiguos griegos habían dado forma humana a los dioses y que la Academia normativizó durante siglos como sinónimo de belleza, al retrato vanguardista de la diversidad física de una humanidad en absoluto idílica. El decoro, los prejuicios morales y sociales y la aparente neutralidad de la mirada meramente artística de temas casi exclusivamente mitológicos o históricos fueron reemplazados por interpretaciones desprejuiciadas y provocadoras, por una verdadera desnudez del desnudo.

La libertad para rebelarse contra siglos de desnudos pudorosos y académicos, de ver más allá de la sola anatomía del cuerpo, desencadenó, en definitiva, entre los movimientos de renovación y vanguardia españoles –especialmente en los años veinte y treinta– un imparable cambio de paradigma en el que lo carnal se impuso a lo ideal y que destapó las posibilidades más interesantes y excitantes del desnudo. El cuerpo contemporáneo se convirtió entonces en un fértil territorio artístico de exploración y autoconocimiento.

Apenas iniciado ese camino de experimentación formal y expresiva, el desnudo moderno regresó, sin embargo, a los estigmas decimonónicos durante buena parte de la dictadura franquista, coartado por la censura del régimen, refugiado en las exposiciones oficiales de lenguajes otra vez académicos, provocador desde los márgenes y el exilio, o camuflado en formas abstractas.

Seres perfectos frente a cuerpos fragmentados, desnudos vinculados a un tema o sin excusas; miradas masculinas confrontadas por empoderados cuerpos de mujer; modelos vivos y maniquíes perturbadores; figurativos o deconstruidos; jóvenes y ancianos; masculinos, femeninos y ambiguos; expuestos u observados sin permiso... el repertorio que muestra la exposición, desde Sorolla y el primer Picasso hasta Saura y un Miró tardío, es multiforme y muy amplio. Y, sin embargo, esta es sólo una de las muchas historias posibles del desnudo.

Imágenes:
Ignacio Pinazo. Desnudo de frente, c.1879-1880. Óleo sobre lienzo, 183 x 99 cm. Museo Nacional de Cerámica “González Martí"
Antoni Arissa, El esclavo, c. 1922-1929, Gelatina de plata sobre papel de algodón, 750 × 640 mm (copia actual), Colección Telefónica © Antoni Arissa
Gabriel Morcillo, Dios de la fruta, 1936. Óleo sobre lienzo, 125 x 115 cm. Colección Banco de España, depositado en el Museo de Bellas Artes de Granada

De las innumerables regiones que Sorolla visitó y pintó en España, sin duda Andalucía ocupó un lugar muy destacado. Entre los años 1902 y 1918 Sorolla realizó continuos y numerosos desplazamientos por tierras andaluzas que le llevaron por las provincias de Málaga, Granada, Sevilla, Huelva, Córdoba, Cádiz, tanto por sus ciudades como por sus pueblos. La fascinación por sus paisajes y sus monumentos, el interés por sus gentes y sus costumbres quedó reflejada en un importantísimo número de obras inconfundibles de las que aquí presentamos una pequeña pero significativa muestra de cómo Andalucía captó la atención y la admiración de este pintor infatigable y viajero pertinaz.

Esta exposición se enmarca dentro de la programación oficial de la conmemoración del centenario del fallecimiento de Joaquín Sorolla.

Imagen: Joaquín Sorolla, Bailaora flamenca, 1914. Óleo sobre lienzo, 206,5 x 100 cm. Museo Sorolla, Madrid

La reacción católica a la Reforma protestante propició en España, durante el Barroco, un arte basado en imágenes realistas y de gran carga dramática cuyo propósito consistía en mover a la devoción mediante representaciones de santidad con un hondo calado emocional. En ese escenario, en el llamado Siglo de Oro español (el XVII), surge una pléyade de grandes maestros –desde Ribera, Velázquez y Murillo hasta el extremeño Francisco de Zurbarán (1598-1664)–. La obra de este último, protagonista de esta exposición, encarna una corriente de religiosidad amable y cercana, aunque igualmente sobrecogedora.

La Santa Marina de la Colección permanente del Museo Carmen Thyssen Málaga, pintada hacia 1640-1650, es el origen de este proyecto: una selección de santas de Zurbarán que personifican su genial aportación a la iconografía devocional barroca en la creación de estos arquetipos de santidad femenina. Un repertorio de santas bellas y serenas, que encarnaban modelos de fe y vida pura y virtuosa y que incitaban a los fieles a la devoción, la meditación y la oración desde una vía menos truculenta que las penitentes y anacoretas. El talento pictórico de Zurbarán, visible en el naturalismo de las facciones o en la virtuosa descripción de las indumentarias, es una de las señas de identidad del maestro en este género.

Aunque con iconografías diferentes, los lienzos que presentamos comparten un mismo modelo compositivo que Zurbarán y su obrador repitieron en innumerables encargos. Santas de pie, vestidas con espléndidos trajes a la moda de la época y que llevan objetos relacionados con sus hagiografías o meros complementos devocionales genéricos, se recortan sobre fondos oscuros. Y en esas representaciones en penumbra destacan los rostros, certeramente iluminados, interpelando al espectador o abstraídos en sus meditaciones. Esas figuras monumentales, ordenadas en hilera forman, además, una silenciosa procesión de santas trasmutadas en seres terrenales.

La serie de santas prestada por el Museo de Bellas Artes de Sevilla –ocho lienzos de un total original de doce, procedentes del Hospital de las Cinco Llagas de la capital hispalense (c. 1640-1650)– ilustra el extraordinario éxito comercial de este tipo de pinturas. El propio Zurbarán y sus oficiales las replicaron y versionaron incansablemente, por la alta demanda de una numerosa clientela de establecimientos religiosos o asistenciales, tanto en Andalucía como en América, y especialmente en el período de madurez del artista. Y frente a estas muestras de repertorio del taller, la Santa Casilda del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (c. 1630-1635), ejemplo soberbio de las obras autógrafas que servían de modelo para réplicas y versiones.

Francisco de Zurbarán. Santa Casilda, c. 1635. Óleo sobre lienzo, 171 x 107 cm. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid
Francisco de Zurbarán. Santa Marina, c. 1640-1650. Óleo sobre lienzo, 111 x 88 cm. Colección Carmen Thyssen en préstamo gratuito al Museo Carmen Thyssen Málaga.