Museo Carmen Thyssen

The almost ninety works in this exhibition tell a story unbounded by norms, offering a subjective survey designed to stimulate both the mind and the senses of viewers as they explore more than a century of very diverse nudes in Spanish art. In a country with no historical tradition in a genre that was central to artists elsewhere, individuals only really began to be represented au naturel in the modern period – in the late 1800s and especially in the first third of the 1900s – as a rebellion against the academic ideal and a gradual revelation of the body. The nude thus went from being an intended universal canon of physical perfection, used by the ancient Greeks to give human form to gods and standardised by the Academy for centuries as a synonym for beauty, to an avant-garde depiction of the physical diversity of a far from idyllic humankind. Decorum, moral and social prejudice, and the apparent neutrality of purely artistic portrayals of almost exclusively mythological or historical subjects gave way to unprejudiced and provocative interpretations, to a true nakedness of the nude.

The freedom to rebel against centuries of modest and academic nudes and see beyond the merely anatomical aspect of the body triggered an unstoppable paradigm shift among the Spanish renewal-oriented and avant-garde movements, especially in the 1920s and 1930s. Carnality prevailed over the ideal and the most interesting and exciting possibilities of the nude were discovered. The contemporary body thus became a fertile ground for artistic exploration and self-knowledge.

However, no sooner had the modern nude embarked on this path of formal and expressive experimentation than it was newly burdened by 19th-century stigmas throughout much of Franco’s dictatorship. Constrained by the regime’s censorship, artists sought refuge in official exhibitions, returning to academic languages, engaged in provocation from the fringes or from exile, and camouflaged nudes in abstract forms.

Perfect beings versus fragmented bodies, nudes depicted in relation to a theme or with no pretext; male gazes challenged by empowered female bodies; live models and disturbing mannequins; bodies that are figurative or deconstructed, young and old, male, female and ambiguous, exposed or observed without permission... the nudes shown in the exhibition, from those of Sorolla and early Picasso to Saura and late Miró, come in a variety and very broad range of forms. And yet this is just one of the many possible stories of the nude.

Imágenes:
Ignacio Pinazo. Desnudo de frente, c.1879-1880. Óleo sobre lienzo, 183 x 99 cm. Museo Nacional de Cerámica “González Martí"
Antoni Arissa, El esclavo, c. 1922-1929, Gelatina de plata sobre papel de algodón, 750 × 640 mm (copia actual), Colección Telefónica © Antoni Arissa
Gabriel Morcillo, Dios de la fruta, 1936. Óleo sobre lienzo, 125 x 115 cm. Colección Banco de España, depositado en el Museo de Bellas Artes de Granada

De las innumerables regiones que Sorolla visitó y pintó en España, sin duda Andalucía ocupó un lugar muy destacado. Entre los años 1902 y 1918 Sorolla realizó continuos y numerosos desplazamientos por tierras andaluzas que le llevaron por las provincias de Málaga, Granada, Sevilla, Huelva, Córdoba, Cádiz, tanto por sus ciudades como por sus pueblos. La fascinación por sus paisajes y sus monumentos, el interés por sus gentes y sus costumbres quedó reflejada en un importantísimo número de obras inconfundibles de las que aquí presentamos una pequeña pero significativa muestra de cómo Andalucía captó la atención y la admiración de este pintor infatigable y viajero pertinaz.

Esta exposición se enmarca dentro de la programación oficial de la conmemoración del centenario del fallecimiento de Joaquín Sorolla.

Imagen: Joaquín Sorolla, Bailaora flamenca, 1914. Óleo sobre lienzo, 206,5 x 100 cm. Museo Sorolla, Madrid

La reacción católica a la Reforma protestante propició en España, durante el Barroco, un arte basado en imágenes realistas y de gran carga dramática cuyo propósito consistía en mover a la devoción mediante representaciones de santidad con un hondo calado emocional. En ese escenario, en el llamado Siglo de Oro español (el XVII), surge una pléyade de grandes maestros –desde Ribera, Velázquez y Murillo hasta el extremeño Francisco de Zurbarán (1598-1664)–. La obra de este último, protagonista de esta exposición, encarna una corriente de religiosidad amable y cercana, aunque igualmente sobrecogedora.

La Santa Marina de la Colección permanente del Museo Carmen Thyssen Málaga, pintada hacia 1640-1650, es el origen de este proyecto: una selección de santas de Zurbarán que personifican su genial aportación a la iconografía devocional barroca en la creación de estos arquetipos de santidad femenina. Un repertorio de santas bellas y serenas, que encarnaban modelos de fe y vida pura y virtuosa y que incitaban a los fieles a la devoción, la meditación y la oración desde una vía menos truculenta que las penitentes y anacoretas. El talento pictórico de Zurbarán, visible en el naturalismo de las facciones o en la virtuosa descripción de las indumentarias, es una de las señas de identidad del maestro en este género.

Aunque con iconografías diferentes, los lienzos que presentamos comparten un mismo modelo compositivo que Zurbarán y su obrador repitieron en innumerables encargos. Santas de pie, vestidas con espléndidos trajes a la moda de la época y que llevan objetos relacionados con sus hagiografías o meros complementos devocionales genéricos, se recortan sobre fondos oscuros. Y en esas representaciones en penumbra destacan los rostros, certeramente iluminados, interpelando al espectador o abstraídos en sus meditaciones. Esas figuras monumentales, ordenadas en hilera forman, además, una silenciosa procesión de santas trasmutadas en seres terrenales.

La serie de santas prestada por el Museo de Bellas Artes de Sevilla –ocho lienzos de un total original de doce, procedentes del Hospital de las Cinco Llagas de la capital hispalense (c. 1640-1650)– ilustra el extraordinario éxito comercial de este tipo de pinturas. El propio Zurbarán y sus oficiales las replicaron y versionaron incansablemente, por la alta demanda de una numerosa clientela de establecimientos religiosos o asistenciales, tanto en Andalucía como en América, y especialmente en el período de madurez del artista. Y frente a estas muestras de repertorio del taller, la Santa Casilda del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (c. 1630-1635), ejemplo soberbio de las obras autógrafas que servían de modelo para réplicas y versiones.

Francisco de Zurbarán. Santa Casilda, c. 1635. Óleo sobre lienzo, 171 x 107 cm. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid
Francisco de Zurbarán. Santa Marina, c. 1640-1650. Óleo sobre lienzo, 111 x 88 cm. Colección Carmen Thyssen en préstamo gratuito al Museo Carmen Thyssen Málaga.