Museo Carmen Thyssen

La Cosecha es la segunda pieza de una trilogía escénica iniciada con La Veda. La obra se articula a partir de la lógica del ciclo: sembrar, sostener, esperar, recoger. No como narración, sino como tránsito por distintos estados que remiten al tiempo del campo y a su manera irregular de avanzar.

La escena se organiza alrededor de una mesa blanca que funciona como superficie de trabajo y de acumulación. En ella se inscriben imágenes vincu­ladas al paso del tiempo y a los procesos naturales. Dos figuras  - el Conejo y el Jaguar - atraviesan el espacio entre presencia y latencia, mientras sus sombras permanecen al fondo como un estado en suspensión.

Las acciones no buscan representar, sino activar. A través de gestos repetidos, interrupciones y pausas, la pieza atraviesa momentos de cuidado y desorden, de equilibrio y fractura. La belleza aparece en la precisión de lo mínimo; el caos, en la pérdida de control, en aquello que se desborda o se descompone. Ambos forman parte del mismo proceso.

Los materiales - flores, agua, vajilla, máscaras - operan como elementos funcionales y simbólicos, sometidos al desgaste del uso y al paso del tiempo. No hay una progresión lineal ni una promesa de resultado: lo que ocurre se sostiene en la convivencia entre lo que se cuida y lo que se arruina.

Con una composición sonora original de Daniel Blacksmith, La Cosecha se sitúa entre lo individual y lo colectivo, entre lo ritual y lo cotidiano. La refe­rencia a una última cena no se plantea como imagen cerrada, sino como un espacio compartido donde la armonía y el conflicto coexisten.

La mesa se convierte en un campo de trabajo donde belleza y caos se rozan constantemente. La Cosecha no propone una conclusión, sino una pregunta abierta sobre los procesos que habitamos, las tensiones que los atraviesan y las condiciones que hacen posible - o no - que algo llegue a recogerse.

Créditos artísticos:
Dirección: La Yunta (Verónica Ruth Frías y Niche Ramírez)
Coreografía: Niche Ramírez
Música: Daniel Blacksmith
Diseño de vestuario: Verónica Ruth Frías




Verónica Ruth Frías (Córdoba, 1978) utiliza el disfraz, el maquillaje y el camuflaje para adqui­rir otras identidades, y para llevar a cabo un cuerpo de trabajo performático que incide en una crítica ácida. La hemos visto como Caperucita Roja, La Hija de Dios en la Última Cena, de Súper Heroína, de secuestradora y, a través de todos estos personajes, Frías, nos cuenta aquello que le preocupa y le indigna. Frías trabaja principalmente con la performance y utiliza el vídeo y la fotografía para dejar constancia de las acciones efímeras que realiza.

Sus trabajos de performance han podido verse en Museos Pompidou de Málaga dentro del “En Danza”, en el Museo Picasso Málaga, en el Museo Thyssen-Bornemissia de Madrid o el Museo Ruso. También en centros de arte como La regenta, Gran Canaria, Centro de Arte Fundación Rafael Botí, entre otros y ha participado en numerosos festivales de Performance como Cooldays Festival, Palma de Mallorca, Festival MAF, Málaga, Performance Gal, Galicia. FORO MAV, Vision y Presencia, Premiso Evolución, etc. Territorio, Ibiza.

Trabaja principalmente con la performance y utiliza el video y la fotografía para dejar cons­tancia sus acciones efímeras.

Sus trabajos se han podido ver en exposiciones individuales y colectivas tanto a nivel nacional como internacional en El Cairo, Cuba, EEUU, México, Alemania o Francia. Ha trabajado con comisarias y comisarios como Semíramis González, David Barro, Iñaki Martínez Antelo, Nerea Ubieto, Adonay Bermúdez, Fernando Gómez de la Cuesta, Margarita Aizpuru, Javier Díaz Guardiola, Juan Ramón Barbancho.

Desde hace cinco años es la comisaria y gestora del proyecto Rara Residencia, junto a su pare­ja el también artista, Cyro García. Rara surge de la necesidad de acercar el arte a los pequeños pueblos, en concreto en este caso a Villanueva del Rosario, donde viven desde 2007.

https://www.instagram.com/veronicaruthfrias/

https://www.youtube.com/watch?v=8l8NfbaXrWA

 

Jorge Ramírez Guerra (Niche)
Niche Ramírez es un artista multidisciplinar de 31 años.

Graduado como bailarín profesional y maestro en la Escuela Nacional de Arte de Cuba, Niche ha desarrollado una destacada carrera artística. Ha trabajado en importantes compañías en Cuba, como la Compañía Nacional de Danza Contemporánea de Cuba, Los Hijos del Director, Revolution, Otro Lado, Proyecto Marte entre otras. Su carrera ha abarcado escenarios como el Teatro La Fenice de Venecia, teatros en Estados Unidos, y festivales internacionales en Europa y América. Ha sido reconocido con premios,como el primer lugar en el concurso internacional IODC y en el Certamen Coreográfico de Madrid Paso a 2.

Niche ha presentado su trabajo en eventos destacados como el Festival Inter­nacional Iberoamericano de publicidad en el Teatro Cervantes de Málaga, en La Térmica, el Museo Pompidou de Málaga, museo de arte contemporáneo de Genalguacil,el Festival de la Merced en Barcelona, Festival de Arte Contemporáneo de Málaga, Museo Carmen Thyssen de Málaga, en la Feria de Arte Contemporáneo en Madrid Jast Mad. También ha sido uno de los artistas seleccionados en la Feria Inter­nacional de arte contemporáneo Salón ACME en México.Su obra combina una línea contemporánea performática, pictórica, fotográfica y conceptual.

Además, ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas.

Sigue explorando la interacción entre danza, pintura, fotografía y performance, con una clara orientación conceptual y visual.

Enlaces a trabajos recientes:

https://youtu.be/zqkatboIces?si=0QwqjUSZiIsmdLG8

https://youtu.be/LSMgyqL1MV4?si=1jP9sEiBjqdoil0H

https://www.youtube.com/watch?v=SHVeKQu7C0o

Daniel Blacksmith
Es un compositor, productor y multiinstrumentista cuya trayectoria se ha definido por su profunda dedicación a la música y la innovación sonora. Con más de una década de experiencia en grabaciones y producciones, Daniel decidió emprender su propio proyecto musical, lanzando su carrera bajo este nuevo nombre artístico en 2019.

Desde su álbum debut, Química y Contexto: Destino, hasta su más reciente trabajo, Impulsos (2022), Daniel ha explorado la intersección de la música orquestal romántica con elementos de minimalismo, música electrónica y post-rock, todo ello bajo la influencia de la música cinematográfica. Esta fusión no sólo ha definido su sonido, sino que también ha establecido su enfoque único para crear experiencias musicales que invitan a la introspección y el viaje emocional del oyente.

Daniel integra en su obra influencias del arte conceptual y la filosofía existencialista, colaborando frecuentemente con artistas de diversas disciplinas.

Esto se refleja en frecuentes sinergias con artistas de diferentes disciplinas, entre ellos Ángelo Néstore en poesía, Verónica Ruth Frías en performance y Lula Amir o María del Mar Suárez en danza. Además, ha trabajado con instituciones culturales prestigiosas como el Festival de Cine de Málaga, el Museo Carmen Thyssen y diversas galerías de arte en Málaga.

Estas colaboraciones han sido esenciales para el desarrollo de sus presentaciones en vivo, las cuales son diseñadas para ofrecer una experiencia continua y envolvente, manteniendo a la audiencia completamente inmersa en el arte.

El concepto de Daniel Blacksmith va más allá de la música: busca ofrecer una experiencia integral que incluye sonido, visualidad y emocionalidad. Las presentaciones en vivo se caracterizan por una atmósfera íntima, con luces tenues y sonido envolvente que permiten una inmersión total del público en la experiencia.

https://open.spotify.com/intl-es/artist/0QkTS2DE2XOXh7XUyp3t7U

La gloria es un ritual de iniciación que concibe la vulnerabilidad como un acto de resistencia y potencia. La pieza propone un viaje catártico donde la intérprete transita por diferentes estados para que su cuerpo sea atravesado por la belleza y “la gloria” entendida como lugar de revolución, celebración y euforia existencial. La obra explora la experiencia de habitar un cuerpo que se expone en toda su fragilidad para manifestar, desde ese mismo lugar de apertura radical, una fuerza transformadora. En este tránsito aparecen figuras monstruosas, expansivas, gigantes y efímeras: cuerpos que se revelan como honestos al exigir ser reconocidos vulnerables.

Créditos artísticos:
Melisa Calero: autoría, coreografía e interpretación
María Cabeza de Vaca: acompañamiento artístico
Miguel Marín: composición musical original final 
Melisa Calero & Antonio Bass Seismic: composición musical techno y collage musical
Alberto Cortés: asesoramiento inicial en dramaturgia
Técnico de sonido: Pablo Contreras
Vestuario: Melisa Calero, Ellavled Alcano & May Pose
Fotografía: Rodri González Jiménez

Melisa Calero es bailaora/bailarina, creadora, intérprete y pedagoga.

Su trabajo se mueve entre el flamenco, la danza contemporánea y la performance, con una marcada inclinación hacia la experimentación, la electrónica y la impureza como método creativo.  Participa en videoclics, videocreaciones,  performances, y en numerosos ciclos y festivales flamencos, contemporáneos e híbridos: Festival Flamenco Mont de Marsans, Nimes, Mes de Danza, Bienal de Flamenco de Sevilla, Danzattack, Danza trayectos, Masdanza, Cosmopoética, Ahora! Danza, Festival DZM, Cáceres, Centros de Artes Contemporáneo de Andalucía (C3A, CAAC), Miradas de danza, Monkey Week, Festival Flora, Femkultur-Pamplona, Patrimonio Flamenco-Cádiz, UNIA Baeza, Nerja Danza, Festival de Cádiz Manuel de Falla, etc.

Trabaja junto a La Tristura en la producción Renacimiento, junto a artistas y compañías como Marco Vargas & Chloe Brulé, CIA AndanZAS/TNT, CIA Albadulaque, Teatro anatómico, Laura Morales, B612 Danza Vertical o Varuma Teatro. Como coreógrafa/intérprete trabaja en “Tacones Manoli” (Letsgo Company-Madrid), proyecto de flamenco inmersivo sobre la casa de Bernarda Alba.

Entre sus creaciones destacan: “Abducida” nominación “Mejor Espectáculo de Calle” Premios Lorca 2023. Finalista Certámen Coreográfico 10 Sentidos y Sólo Improvisa (Cuarta Pared). “Toma de Tierra”, Premio “Oxygen For The Future Award, “La Huella. Todos somos Carmen Amaya” Nominación mejor música original” (Premios PAD 2018), La gloria, y seleccionada con el proyecto “Ser forastera”, dentro de las residencias artísticas de la UNIA 2025 y Bailando en plata 2026.

Actualmente, compagina su carrera como creadora-intérprete, con Estudios Superiores de Pedagogía de la Danza en el Conservatorio Superior de Málaga. Como pedagoga, ha impartido numerosos talleres a nivel nacional e internacional, desde una perspectiva técnica y coreográfica del flamenco. Hace un par de años, diseñó el taller-exploratorio “Otros cuerpos: Decálogo para el disfrute flamenco” llevado a cabo en la Universidad de Granada, dentro de la Cátedra de Flamencología, en “Pista de baile”, ciclo de talleres comisariado por Helena Martos en Córdoba y en las residencias artísticas Bailando en plata.

Primigenia
Una pieza de Cristina Savage

Primigenia es una performance escultórica y pictórica en vivo, una acción escénica que fusiona escultura, pintura y cuerpo en un ritual contemporáneo de creación y transformación. Durante aproximadamente 50 minutos, la artista construye figuras de barro rojo sobre una gran tela blanca extendida en el suelo, activando una instalación efímera que funciona como registro material del acto.

Desde un cuerpo ajeno al folclore y al movimiento ortodoxo del toreo, la acción se deja llevar por la improvisación, impulsada por una ambientación sonora inspirada en la España de los años 30 —en especial el pasodoble—. El cuerpo actúa como herramienta escultórica, generando imágenes que evocan la pintura rupestre, personajes híbridos, figuras primitivas y mitológicas como el minotauro, que emergen, se deforman y se destruyen en una narrativa viva del cuerpo atravesado por la materia y el ritmo.

El resultado es una ceremonia visual y táctil, donde la tela en el suelo queda marcada por los movimientos, el sudor y el peso del barro, convirtiéndose en un vestigio pictórico, casi arqueológico.

Lo efímero se transforma en huella.

Créditos artísticos:
Ejecutante y creadora: Cristina Savage
Funciones en el proyecto: Cristina Savage concibe y ejecuta la acción escénica Primigenia, modelando en vivo figuras de barro sobre un gran lienzo y activando el espacio con su cuerpo en un gesto ritual y pictórico. Lidera también la propuesta conceptual y sonora.

Cristina Savage (Connecticut, EE.UU,1979)
Licenciada en Bellas Artes en 2003 por Skidmore College (Nueva York), donde se especializó en cerámica contemporánea, su práctica entrelaza barro, cuerpo y performance desde una perspectiva simbólica, feminista y ritual. Desde hace más de veinte años trabaja desde Andalucía, donde dirige el espacio de creación y residencias Rancho Rata (Málaga) y coordinó el programa de arte adaptado, “Discípuli”, a personas con diversidad funcional. Actualmente es profesora de cerámica en Arcilla Arcilla Arcilla, donde investiga la cerámica desde la escucha material, el juego y el proceso como forma de pensamiento.

Ha sido durante dos décadas responsable de talleres en el Museo Picasso Málaga, colaborando en múltiples proyectos educativos y en la en la instalación colectiva Habla el barro (2022) junto a Miquel Barceló.

Trayectoria en performance: Cristina Savage ha desarrollado una línea performativa coherente y singular, donde el cuerpo, la materia, el textil y el gesto se funden en actos de evocación, crítica y transformación. Entre sus acciones destacan: 

El velo de Sísifa (2023): presentada en el Ateneo de Málaga, esta acción reflexiona

sobre la repetición, el esfuerzo invisible y la carga femenina heredada. A través de un gran velo translúcido arrastrado, desplegado y recogido en bucle, se activan gestos de resistencia silenciosa y poesía corporal.

Una colina de flores (2021): presentada en el Museo de Málaga y el Ateneo de Málaga, realizada en el marco del proyecto Yo nací griega, inspirada en la obra Una esclava en venta de José Jiménez Aranda. La acción dialoga críticamente con representaciones históricas de mujeres oprimidas en el arte, transformando la imagen de sumisión en afirmación y despedida.

Maman (2020 y 2023): performance textil en la que la artista emerge desde el interior de una figura uterina de gran formato, explorando el origen, la creación, la fragilidad y lo materno como territorio simbólico. Una ceremonia corporal entre lo monumental y lo íntimo.

Quitando lo viejo (2018–presente): intervención colectiva de limpieza ritual en espacios institucionales del arte (MNCARS, Pompidou Málaga, ARCO, Art Marbella, CAC Sevilla), donde el gesto de limpiar se convierte en denuncia simbólica contra el machismo estructural del sistema artístico.

She Creep (2017): performance mito-poética desarrollada entre Málaga y Noruega, en la que la figura femenina se expone como criatura ritual, sagrada y animal. Un tránsito corporal entre lo orgánico, lo salvaje y lo desbordado.