Museo Carmen Thyssen

Adora a las Hermanas Gestring (Hermanas Gestring)
Las Hermanas Gestring proponen un concierto espiritual en el que a través de sus cantos y bailes seducirán al público para que las adore.

Como dos gurús espirituales venidas desde el más allá predicarán su palabra y adivinarán el futuro de lxs asistentes.
Entre canción y canción irán lanzando mensajes subliminales, hipnotizando al público que no podrá parar de bailar y repetir sus mantras, sudarán sus pecados hasta quedar remididxs a sus pies y así adorarlas, apuntarse a su retiro espiritual Gestringhuram y darles todo su dinero. Acompañadas de Ralph Loren.

Ficha artística:
Letras escritas por las Hermanas Gestring (Laura Morales y Greta García).
Bases compuestas por sus amigos Juan Luis Matilla, Digital Diógenes, Bazofia y José Nieto.

Las Hermanas Gestring son Laura Morales y Greta García. Bailarinas sevillanas que deciden unirse en 2013 y apostar por nuevos caminos para la creación. Para ello configuran dos personajes: Aletra y Virtue, capaces de adaptarse a lo inmediatamente disponible. 

De modo natural la video-creación se convierte en su principal herramienta, a través de Youtube e incluso Whatssap. Dieron paso a la performance creando obras para galerías de arte y espacios alternativos como “Enfajadas” o “Pulquérrimas” dentro del programa Iniciarte. 

Colaboran con otros artistas como el músico Sleepy James en “Aletra y Virtue se van de Balanegra”, el coreógrafo Juan Luis Matilla (Mopa) con “Ese de ahí te va a matar” o participan como intérpretes en la obra ideada por Miguel Marín “Welcome to the Montgomery Experience”. Crean “We’ll kill you” en Alemania para el Festival RootlessMovement. 

En 2016 afirman su trabajo al resultar ganadoras del Certamen Coreográfico de Madrid Pasoa2 con “Good girl”, pieza con la que giran por varios festivales de España y en el extranjero, reciben Premio Residencia en Tanzhaus Zurich donde nace la semilla de “A muerte” que se estrena a finales de 2018 en el Teatro Central. 

Y en 2019 participan en el proyecto Silent City de Artscennico Performing Arts en Dortmund (Alemania) y comienzan una nueva línea apostando por la música con el concierto “Adora a las Hermanas Gestring” junto al músico Lorenzo Soria y Diego Caro. En 2021, son actrices del corto de Joaquín León “Calor Infinito” y suben a las plataformas temas como “Mi novio baila regular” o "Muerte por tetaso". 

En marzo 2022, las Hermanas Gestring, comienzan un primer período de creación como intérpretes bajo la dirección del creador Enrique Baró Ubach en “Cómo se dice hacerse el sueco en sueco?”.

Née (compañía Cielo rasO)
Née es un obra que conmueve, enraíza lo humano, acaricia la soledad, estratifica la pérdida, acompaña la desilusión, emancipa el desencanto, vigoriza la ausencia, pelea por el amor, virtualiza lo cercano, sostiene la magia, espanta los demonios, humaniza lo inanimado, regresa del oscuro, asalta la imaginación, separa los miedos y los ordena, atraviesa el aire, se esfuerza. Con elegancia, construye un viaje alejado del ruido. Narrado en primera persona, meditado, y transformador. Née es un trabajo en solitario, y surge para poder narrarse.

En la profundidad de las capas narrativas de Née, habitan diferentes acontecimientos reales que han catalizado formas creativas escénicas. Proporcionan un nexo emocional al espectador, conectan con la esencia de la voz humana. Née conmueve por el lugar desde el que se narra, no tanto por el hecho narrado. El acontecimiento ya esta ordenado, como la vida ha sido asimilada, aceptada y digerida pero el viaje se cuenta desde su final.

Née nace como una enseñanza, surge del dolor y recuerda la belleza.

Ficha artística:
Intérprete:  Igor Calonge.
Ayudante Dirección: Gabriel F.
Asistente de Coreografia: David Candela
Diseño de Iluminación: Sergio García
Vestuario: Xabier Mujika
Escenografía: Igor Calonge
Distribución: Beatriz Churruca
Producción: Beatriz Churruca
Dirección: Igor Calonge
Duración: 50 minutos

Subvenciona: Gobierno Vasco
Colabora: Dantzagunea diputación foral de Gipuzkoa
Donostia Kultura Egia K.E.

Cielo rasO es una compañía de danza fundada por el coreógrafo y bailarín Igor Calonge en 2010 en el Pais Vasco, territorio con una fuerte identidad en su expresión cultural y artística.

Esta identidad y su transformación hacia la contemporaneidad, es la base del trabajo de Cielo rasO que se sirve de la tradición, la fuerza del cuerpo, la resistencia, la lucha primitiva, la simbología y la poética, para ofrecer siempre un lenguaje físico nuevo y un resultado arriesgado.

Cielo rasO ha conseguido un marcado estilo propio también en el tratamiento de la escena. Su apuesta ha ido ganando reconocimiento en el panorama nacional. 18 creaciones dan valor a la intensidad del trabajo.

Sus producciones han visitado Francia, Italia, Polonia, Brasil, México, Argentina, Panamá, Paraguay y Finlandia.

De manera continuada, han sido seleccionadas en diferentes redes, plataformas, ferias y festivales, entre otros: Danza a Escena, Circuito de Red de Salas Alternativas de España, Catálogo Platea, Catálogo AECID, dFERIA , Regards Croisés, Fira Tàrrega, Mes de la Danza de Sevilla, Cadiz en Danza, Danza Gijón, FAM Tenerife, FIBA Buenos Aires, Cena Contemporânea Brasil, MID Festival Brasil, Filo Londrina, Brasil, Filte Bahía, Brasil, Crear en Libertad Paraguay, Prisma Panama, Black & White Finland Festival.

Igor Calonge
Donostia-San Sebastián 1974. Formado como bailarín en diferentes disciplinas, inicia su carrera profesional bailando en diversas compañías nacionales, tales como: Provisional Danza, Cía. Daniel Abreu, Cía. Fernando Hurtado, Hojarasca Danza, Ciento Cincuenta Cuerdas. En este periodo, sigue formándose en prestigiosas escuelas nacionales y europeas.

En 2001, con una amplia carrera como intérprete y como manifiesto de un momento creativo propicio compartido con diferentes artistas y colectivos en el desaparecido Centro de Arte Arteleku de San Sebastián (hoy referencia europea), comienza a crear sus propias coreografías de pequeño formato.

En 2010, crea Cielo rasO para facilitar producciones de mayor envergadura, así como su labor como formador que es, desde muy pronto, apoyada por Dantzagunea, Servicio para la Danza de la Diputación Foral de Gipuzkoa y el Departamento de Cultura de la ciudad de SS, DonostiaKultura y El Gobierno Vasco.

“Cada pieza que imagino y trabajo, cada sonido o composición, me ha llevado hasta el lugar en el que luego se recoge la obra completa. Es un tesoro, un golpe de creatividad para el que nunca fui educado, ni enseñado, ni aprendido. Quizás, de alguna manera, he conseguido lo más difícil: transformar la manera que tenia de jugar de niño en algo que ahora esta lleno de luz y acción, y que vive, aunque ya no se ejecute, y que de forma sustancial reside en mi recuerdo.”

“En estos años he aprendido a trabajar cada vez con mayor inteligencia y maestría, esto es lo que ofrece el tiempo. La dedicación y la obstinación, no pesa cuando algo nos apasiona y nos recuerda que somos capaces de construir belleza, ideas, emociones, paisajes a través del cuerpo que sirve como elemento catalizador de nuestras ilusiones, esperanzas, desdichas y fracasos.”

Me arrepiento (compañía NODE)
¿Qué es eso que nos corroe por dentro cada cierto tiempo y sin preaviso? ¿Qué es ese click que de repente aparece en nuestra mente para torturarnos durante unos segundos con peligro de dejarnos en vela toda la noche? Una nítida memoria que se postra ante ti y te hace cuestionar; ¿cómo actuaste aquella vez? ¿Qué hiciste o dejaste de hacer? ¿Me arrepiento? ¿Es hora de hacer algo al respecto?

"Me Arrepiento" es un diálogo entre dos performers. Plantea desde el humor y lo absurdo diferentes escenarios de conversación donde llevar el concepto en cuestión a lo físico, al movimiento, al lenguaje corporal. A través de los diferentes canales interpretativos se genera un diálogo dramatúrgico, una historia, un viaje.

La religión tiene un espacio privilegiado en el proyecto. ¿Cómo ha influido la religión en nuestra vida y qué armas nos ha dado para enfrentarnos a ella? ¿Qué es bueno y qué es malo según cada una de ellas? A través de un viaje por los diferentes dogmas religiosos, extraemos cómo se enfrentan cada una de ellas al Arrepentimiento y qué vías ofrecen para la Redención. De ahí que las principales líneas de investigación y creación se basaron en esos planes de purificación espiritual. La escena se plantea como un gran templo donde Dios y la experiencia y vida de dos homosexuales en sus 40 y pico, generan un viaje de entrada, purificación, arrepentimiento, exposición, perdón, redención y catársis. Hablamos de la culpa, del perdón, del bullying, de sexo, de vestidos de princesa, de la empatía, del amor, de la luz y de la oscuridad. Porque ante todo, esto es una comunión. Nuestra comunión. Y queremos quitarnos las piedras de nuestras mochilas.

Ficha artística:
Intépretes: Iosu Yeregui, Ion Estala, Rev Silver
Coreografia: Paula Quintas e intépretes.
Dirección coreográfica: Paula Quintas.
Música en directo, espacio sonoro: Rev Silver
Canción original: Iosu Yeregui, Rev Silver.
Asesoría escénica: Arturo Cobas.
Iluminación, técnica: Elisabeth Hermoso.
Vestuario: Iosu Yeregui
Arte general, proyecciones: Ion Estala.
Producción ejecutiva, distribución: Ana Barrantes
Apoyo: Eusko Jaurlaritza, Etxepare Euskal Institutua
Idea, creación, guion, dirección: Iosu Yeregui, Ion Estala

Node es una compañía de danza, performance y audiovisuales de San Sebastián. Creada en 2016, hoy la componen Ana Barrantes (producción y distribución) e Ion Estala (creador y director), siendo la compañía el punto neurálgico donde confluyen diferentes artistas. A su vez son los creadores y gestores del programa de nuevos espacios y lenguajes escénicos LABO y del festival LABO XL (www.labo.eus).

Transitar por el mundo artístico actual supone, para la mayoría de los/as artistas, someterse a una violencia provocada por el afán de la hiper-productividad.

A partir de la exposición de estos conflictos, la pieza plantea soluciones alternativas para poder ser y estar presente mediante una serie de ejercicios enfocados hacia la autopercepción corporal, con el deseo de lograr la presencia desde el no-esfuerzo.

Créditos artísticos
Compañía: Fernando López & Belén Maya
Dirección, coreografía e interpretación: Fernando López & Belén Maya
Música: VVAA
Audiovisuales: Tándem 579
Vestuario: La Heaty
Distribución: Àngels Queralt/ Alex Pujol

Sinopsis
N’hacer expone la violencia de la hiper-productividad en el mundo artístico actual y propone soluciones alternativas para poder ser y estar presentes. Entre las diferentes estrategias exploradas en este no-esfuerzo por estar presentes, se realiza un ejercicio colectivo de auto- percepción corporal, se propone una escena donde permitirse el lujo de bailar por bailar, y se experimentan estrategias a través de las cuales trabajar sin dolor y reciclar nuestros propios esfuerzos para salir de dicha hiper-productividad que constituye, desde el punto de vista de los artistas, el mayor obstáculo para estar presentes en el aquí y en el ahora.

Un proyecto sobre cómo aprehender un lugar -el museo- con la escucha como centro, a través de sus acústicas y sus resonancias. Despojándose de los códigos del lenguaje musical, Museum Meditations pretende entender lo que suena desde su propia materialidad.

Desarrollar una suerte de meditaciones recorriendo los espacios del museo a través del paseo, la escucha, la presencia. Desde una performatividad que subvierte las habituales jerarquías de la música, Luz Prado crea una pieza que cuestiona el papel tradicional de los agentes que intervienen en un momento musical: el espacio, el sonido, la escucha y el cuerpo.

La intimidad mía solo la sé yo. Solo me conozco yo. El placer de estar sola. El miedo a estar sola.

La obra, el primer episodio de la colección “Inadaptadas en casa”, se configura como un ritual vintage que combina coreografías, estéticas y estilos de épocas pasadas bajo la premisa “una mujer sola en su casa”. Transitando los lenguajes de la performance y el happening, pone el foco en personajes femeninos observados desde la intimidad, la soledad y los anhelos imposibles.

Miss Beige será guía y maestra de ceremonias en un taller experiencial diseñado por ella en la línea de su trabajo fuera de moldes convencionales. Todo en ella es rupturista y original, de manera que, al margen del contenido del propio taller los participantes se llevarán una fuente de inspiración para sus propios trabajos.

En palabras de la artista:

“Este es un curso dónde venimos a experimentar con el fracaso, con todas esas veces que nos han dicho que no. Seréis los protagonistas de nuestro propio SALON DE REFUSÉS y al final del curso nuestro Salón de Rechazados será abierto al público. Lejos del fracaso, preparados para el éxito, somos rápidos, astutos, inteligentes, seguros, buenos, simpáticos, divertidos, hablamos y nos colocamos corporalmente bien... sabemos demasiado, lo hacemos demasiado bien. Propongo el juego como herramienta para la búsqueda individual hacia el descubrimiento propio, un espacio de juego para que cada uno pueda buscar, descubrir y acercarse hacia aquello que ya tiene. Si quieres arriesgar y jugar con tus errores aprovechándote de tus imperfecciones y ahondar un poco más en TU implicación con TU obra, BIENVENUE.

No es necesario curriculum ni dossier artístico ni videobook. Abierto a artistas, actores, directores y cualquier persona que utilice su persona en el proceso creativo.”

El Museo Carmen Thyssen Málaga se convertirá en el epicentro de una experiencia musical sin precedentes al recibir a Sergio Albarracín, más conocido como Elphomega, junto al músico electrónico Caradusanto.

La lírica ingeniosa de Elphomega se combinará con la innovación sonora de Caradusanto para crear un espectáculo único que celebre la diversidad y riqueza cultural de Málaga mediante una experiencia sensorial e inmersiva.

En Cuba, la palabra “yunta” se usa coloquialmente para referirse a aquellas personas cercanas con quienes se comparten experiencias vitales significativas.

Al mismo tiempo, designa a la pareja de animales que trabajan juntos la tierra. Utilizando la danza y la acción simbólica, Yunta confronta al público con una representación visual de la igualdad y la interdependencia entre personas de diferente color de piel. El yugo, como símbolo histórico de la opresión, se transforma y resignifica durante la obra en una imagen de cooperación y solidaridad.

En el marco de la próxima exposición temporal “Desnudos. Cuerpos normativos e insurrectos en el arte español (1870-1970), que abrirá al público el próximo 7 de octubre de 2024, lanzamos una nueva Convocatoria para proyectos escénicos en espacios no convencionales, bajo el concepto Presencia.

La historia del arte acotada cronológicamente en la exposición, muestra un repertorio en el que el arte visual pictórico ha enfocado el género del desnudo desde diversos prismas que, sin afán totalizador, podríamos decir que sostienen su interés en una observación a distancia donde el cuerpo se convierte en objeto de deseo (mirada erótica), de conocimiento físico (mirada anatómica), de idealización (mirada icónica), de miedo (mirada siniestra) o de sublimación (mirada épica).

Frente a estas miradas propias del arte proyectado ya sea pictórico, fotográfico o audiovisual, que juega la dimensión hegemónica de lo perceptivo visual, proponemos un acercamiento a la creación contemporánea interesada por “el cuerpo” acentuando la potencia de las Artes vivas capaces de atravesar la toma de perspectiva con la fuerza de la presencia. Proponemos una forma de mirar tangible, que trascienda al objeto y lo sujete, lo incorpore, lo abrace y lo acompañe.

Presencia es un espacio para pensar la materia viva, incluyendo la naturaleza del ser humano, pero también la de cualquier parte del ecosistema del que éste forma parte ineludible, como aquello que está tan cerca y presente, que se podría “tocar”.

Lo que nos toca, ese cuerpo tangible escapa de toda normatividad, siempre es insurrecto, no se puede objetivar porque se resiste a ser filtrado. Su auténtica naturaleza es radical y por eso nos reconoce y reconocemos en ella.

Los proyectos podrán estar destinados a un público adulto y deberán inspirarse en uno o varios de los aspectos ligados al concepto marco.

La ejecución de los proyectos se realizará en el Patio de Columnas del Museo, si bien se tendrán en cuenta otras posibles localizaciones siempre que las condiciones de aforo lo permitan.

Se acogerán propuestas de en torno a 45 minutos de duración, a presentar en un único pase, basadas en las diferentes formas escénicas contemporáneas, que podrán concurrir tanto de manera diferenciada como multidisciplinar: danza, teatro textual, gestual, arte circense, performance o cualquier idea escénica que pueda ser realizada y tenga sentido dentro del espacio escénico no convencional.

Las piezas podrán ser originales o adaptaciones de montajes previos siempre que se ajusten a las necesidades de formato y contenido expuestos.

"El viaje de mi antepasado es el telón de fondo para acompañar mi propio viaje iniciático en busca de identidad, intentando al igual que Man Ray, penetrar en lo que hay más allá de la realidad, no en un plano onírico sino más bien fantasmagórico.

Sin cámara fotográfica dejando que los objetos se expongan a la luz, podemos retratar el lado invisible de las cosas, su sombra. En esta versión redux de la pieza Cabeza de Vaca, a caballo entre una conferencia performativa, el storytelling y la danza, camino entre luces y sombras cuestionando mi misión en la vida, buscando la fuente de la eterna juventud, intentando entender como el entusiasmo sobrevive al paso del tiempo… sin alcanzar más certeza que la de que la expresión artística es la única que a veces por un momento puede revelarnos algo."

María Cabeza de Vaca, bailarina y coreógrafa, cuenta con una larga trayectoria que arranca como intérprete en destacadas compañías de danza y teatro.

Actualmente combina su faceta de intérprete para otras compañías con la de creadora con piezas como “Una forma fácil de Acabar con Todo”, (premio Mejor Espectáculo de Sala 2013 otorgado por la Pad, pieza seleccionada por la plataforma internacional Aerowaves en 2014), ”Cabeza de Vaca”, (premio escenarios de Sevilla mejor intérprete 2018). “Catástrofe” pieza creada en complicidad con el Festival Surge dentro de la VII Muestra de Creación Escénica de la comunidad de Madrid, Festival de Otoño 2020.

El intercambio con otros creadores y la indagación en otros lenguajes artísticos, es un elemento constante en su trayectoria. Ha colaborado con artistas como el coreógrafo Guillermo Weickert, la artista plástica y visual Ro Sánchez, la escultora Ana Jonsson, el músico Miguel Marín, o la creadora francesa Emanuelle Santos. Este intercambio y esta búsqueda de nuevos lenguajes le ha llevado a encontrar espacios más allá de los teatros: ha realizado piezas para espacios alternativos y museos como sus colaboraciones con el colectivo de arquitectos Nomad Garden, con el artista y comisario Abraham Hurtado para C. Centro Negra, (Murcia) o su reciente participación en el ciclo Radicantas dentro de las actividades del museo IVAM de Valencia.

Como docente ha impartido cursos en el máster de pensamiento y creación contemporánea, (Valladolid) Intitut del Teatre de Barcelona (Conseratorio Superior de Danza), Centro Andaluz de Danza, Escuela Profesional de Danza de Burgos, Conservatorio de Danza de Valencia y en diversos conservatorios y universidades de España.

Como asistente coreográfica y directora de movimiento escénico ha trabajado para el CDN (Centro Dramático Nacional), CDG (Centro Dramático Gallego), Teatro Real, Teatro Español… y la compañía Isabel Bayón o Teresa Navarrete, entre otras.

En palabras de Poliana Lima, “ver a alguien bailar es la manera más directa de verla en toda su complejidad. La danza trabaja con las dimensiones intelectuales, emocionales y físicas de una persona. También pone en evidencia su pasado, coloca a la persona en su presente, revela su deseo y sus proyecciones de futuro. La danza es una forma de conocimiento profundo sobre la vida y sobre uno mismo”.

Poliana Lima (Brasil, 1983) es coreógrafa, bailarina y docente, afincada en Madrid.

Es licenciada en Ciencias Sociales por la Universidad Estadual de Campinas y formada en ballet clásico y danza contemporánea en São Paulo. En el año 2011 realiza su primera creación, la pieza corta ‘Palo en la rueda’. En 2014 llega ‘Atávico’, su primer ensemble, que es galadornado con el primer premio en el XXVIII Certamen Coreográfico de Madrid, además del premio del Público, el premio de la Crítica, la Beca Dance Web 2015 (Impulstanz Viena) y la residencia en Tanzhaus, Zurich. En 2022 estrena la primera parte de su trilogía sobre la identidad con Oro Negro, en el Festival de Otoño de Madrid. En 2024, se estrenará la segunda entrega con The Common Ground.

Uno de los objetivos de este proyecto es remover, pensar, recitar, cantar y danzar una parte oculta del legado poético, sonoro y performativo de Violeta Parra como un importante referente del arte contemporáneo, más allá de nuestro territorio y tiempo. Envioletá es un constante estado de contradicción, un relato no lineal, un continuo proceso de reconstrucción histórica y simbólica, a la vez que deconstrucción y reinterpretación de las tradiciones chilenas, andaluzas, republicanas, coloniales y decoloniales.

Javiera de la Fuente
Investigadora y bailaora de flamenco

Chilena afincada en Sevilla, investigadora y bailaora de flamenco formada en la tradicional y contemporánea escuela sevillana del baile. Desde su primera colaboración en Máquinas de Vivir (2014) de Pedro G. Romero, trabaja lenguajes cercanos a la performance en espacios alternativos al escenario. A partir de ahí, combina el pensamiento crítico y la danza en formatos híbridos como la conferencia escénica, diálogos en movimiento con otras artes y en diferentes curadurías, performance de calle, live cinema, etc. Trabaja con y desde la voz, la improvisación, el flamenco y otros lenguajes del movimiento. Ha intervenido espacios como Bauhaus Dessau (La Frase), Bergen Assembly 2019 (Aire del Mar, Canciones de la Guerra Social Contemporánea) y el European Forum For Advanced Practice de la CA2M, con una conferencia titulada El Drama de una Realidad Sur. Envioletá y Envioletá/un estudio han estado en Museo Reina Sofía, Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque, Festival Flamenco de Nimes, Bienal de Flamenco de Málaga, Festival Wadi de Córdoba, entre otros. Su proyecto más reciente es una interacción con la obra de Cris Mejías en Museo Patio Herreriano. 

Fotografía: Registro de Residencia de Creación en Azala (Álava), 2022

Las hijas de Felipe es el refugio sonoro del ahistoricismo deliberado, un espacio donde los rincones más remotos de los siglos XVI y XVII y los resquicios más impenetrables del presente se solapan en un anacronismo estratégico para, con suerte, sugerir cavilaciones y conexiones insospechadas.

En este episodio en vivo desde el Museo Carmen Thyssen Málaga, dialogarán con la exposición Fieramente humanos para pensar los procesos de canonización desde la construcción contemporánea de fama y celebridad. Desde los rasgos exactos de Santo Domingo revelados por el demonio a las dominicas de San Plácido hasta las implicaciones del lip combo de Rosalía: un suculento y trepidante recorrido por los vericuetos de la santidad y el estrellato.

Las hijas de Felipe
Ana Garriga y Carmen Urbita son Las hijas de Felipe, nombre con el que en 2020 empezaron su podcast sobre rincones olvidados del barroco, siempre guiadas por la premisa de que “todo lo que te esté pasando a ti ahora, ya le pasó a alguien en los siglos XVI y XVII”. Desde entonces, han sido colaboradoras de A Vivir (La Ser), han contribuido en medios como SModa, CTXT y La Marea, han participado en distintos festivales de creación y han colaborado con el Museo de El Prado y Patrimonio Nacional en tareas de divulgación. En 2025 publicarán Sabiduría de convento: como las monjas del siglo XVI pueden salvar tu vida del siglo XXI en Blackie Books y en editoriales de otros nueve países.

PROGRAMA

20 de octubre
Y le cortaron la cabeza
De Rafael Amargo, con Luisa Chicano y El Carrete de Málaga

Inspirada en la obra de Caravaggio, esta propuesta de danza flamenca se aleja de lo puramente esteticista para presentar un flamenco menos idealizado, un poco raquítico y hasta tenebroso, un trabajo dramático que juega al equilibrio entre lo animal – o fiero – y lo humano.

9 de noviembre
Perdona que te escriba
De Antonio Zafra

Representación dramática de un compendio de cartas de despedida, de amor, de desesperanza. Cartas reales de personajes ilustres de la historia, que en momentos de vulnerabilidad, se lanzan a escribir como único modo de decir lo que en persona no han podido, no han sabido o no son capaces. Con música en directo y un elenco actoral inclusivo, la puesta en escena propone la participación del público.

16 de noviembre
Soy un baile
De Rosa Romero

El cuerpo se desdibuja y aparece el deseo de ser otra cosa. La mecánica sistémica actual capitaliza los cuerpos hasta tal punto, que hace que la única forma posible de contraatacar sea destruirlos. Para ello, sería necesario inventar nuevas alternativas de cuerpo, nuevas cajas donde encerrarlos y nuevos métodos para que sigan siendo entes vivos y sensibles no materializados en la fisicidad. Ser un baile debería ser una forma digna de cuerpo.

23 de noviembre
Los umbrales de la inercia
De Chechu Gómez, Rafa Alférez y Salvador Castey

La era de las telecomunicaciones ha brindado la posibilidad de que el espíritu gay crezca en visibilidad y en empoderamiento. Sin embargo, esto parece ser solo para unos pocos. El mundo de las redes sociales, con su doble rasero, ha colocado la normatividad física como bandera guía, dejando atrás al resto del colectivo masculino gay que no deja de necesitar el mismo tipo de presencia y que sufre consecuencias como los TCA, la depresión, la ansiedad o la disforia física. Esta obra trata de hablar y dar voz a aquellos que se encuentran al margen del margen, y a su necesidad de escuchar y ser escuchados.

La era de las telecomunicaciones ha brindado la posibilidad de que el espíritu gay crezca en visibilidad y en empoderamiento. Sin embargo, esto parece ser solo para unos pocos. El mundo de las redes sociales, con su doble rasero, ha colocado la normatividad física como bandera guía, dejando atrás al resto del colectivo masculino gay que no deja de necesitar el mismo tipo de presencia y que sufre consecuencias como los TCA, la depresión, la ansiedad o la disforia física. Esta obra trata de hablar y dar voz a aquellos que se encuentran al margen del margen, y a su necesidad de escuchar y ser escuchados.

Salvador Castey
Graduado en arte dramático en la especialidad de interpretación textual por la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga. De manera simultánea a la ESAD ha estudiado interpretación ante la cámara durante dos años, formándose también en este código. Su interés por la interpretación nació finalizando sus estudios de la ESO, integrándose en la escuela de teatro de su ciudad. Realizó sus primeros proyectos, "Hamlet" y "48 horas".

A lo largo de su formación ha realizado varios proyectos teatrales como "Nunca pasa nada", "El tiempo que estemos juntos", y cinematográficos como el largometraje "La noche de los Júas" o el cortometraje "La canción del pantano".

Actualmente tiene un gran interés por seguir explorando géneros de teatros no convencionales y seguir formándose en la interpretación.

Chechu Gómez
Desde muy temprana edad se interesó por el teatro. Ha ganado varios galardones siendo director de escena, entre ellos el Premio Reino de Jaén o el Premio Nacional de las Artes Escénicas con la compañía Fantasía, en la cual, además de haberla creado, dirigía, escribía y actuaba. Ha dirigido obras como “Los ecos de la pesadilla”, “Lo que fue”, “Umbrales de la inercia”, “El apagón” y "El tiempo que estemos juntos". Además de haber publicado un poemario de prosa poética titulado “Meteorológicamente emocional”.

Durante tres años trabajó para algunos proyectos del Instituto Andaluz de la Mujer, como Mujeres Integrando y Vence tus miedos, impartiendo talleres de teatro y conferencias sobre sociedad, género y teoría queer.

En la actualidad acaba de graduarse en Dirección Escénica y Dramaturgia en la Escuela superior de Arte Dramático de Málaga.

También es un apasionado de la poesía, la psicología y la lectura. Por medio de todas estas disciplinas canaliza su incansable lucha por expresar, conocer el mundo que le rodea con profundidad y, lo más importante: autorrevelarse.

Rafa Alférez
Rafa Alférez (Córdoba, 20 años) es un actor que inicia su trayectoria a muy temprana edad como actividad extraescolar. Pasatiempo que poco a poco derivó a ser su vocación y forma de vida.

A los 17 años inicia su carrera en la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga, cursando actualmente su último año.

En su trayectoria ha trabajado en proyectos teatrales, con un amplio abanico, desde el teatro clásico al teatro posdramático, pasando por teatro musical.

Inicia también su carrera artística en cine y TV en proyectos como “El hijo zurdo” o “La noche de los júas”.

Aspira a vivir de la interpretación y mantenerse apegado al arte en todas sus vertientes.

El cuerpo se desdibuja y aparece el deseo de ser otra cosa. La mecánica sistémica actual capitaliza los cuerpos hasta tal punto, que hace que la única forma posible de contraatacar sea destruirlos. Para ello, sería necesario inventar nuevas alternativas de cuerpo, nuevas cajas donde encerrarlos y nuevos métodos para que sigan siendo entes vivos y sensibles no materializados en la fisicidad. Ser un baile debería ser una forma digna de cuerpo.

Rosa Romero
Rosa Romero (1986) Actriz y creadora gaditana se licenciada en arte dramático en la ESAD de Málaga (2008), en esta ciudad trabaja en compañías jóvenes como Bajotierra o La Mordiente, con las que compartía el interés por la creación y la experimentación escénica. Formó parte también, de la gestión de una de estas compañías, La Caldera.

En este mismo periodo Malagueño, estudia regiduría en escénica técnica, escuela pública de formación cultural de Andalucía y colabora, junto a un grupo de compañeros de profesión, en la creación del festival de escena alternativa de Málaga, El Quirófano. Tras pasar por la Escuela de Interpretación de William Layton (Madrid), vuelve a su ciudad natal, San Fernando, donde crea y coordina un espacio de creación llamado “Estratería” de donde surgen numerosos proyectos relacionados con lo escénico desde una metodología abierta, colaborativa y de mediación con el contexto.

Algunos ejemplos son “Las protagonistas” “Metáfora de la cocina” o “Como el agua”. En paralelo a este proyecto de mediación, en 2014, inicia el camino hacia la creación personal poniendo la atención en el cuerpo, en la recuperación del baile heredado y la comunicación bruta con los espectadores.

La compañía nace en 2010 tras una larga experiencia del actor Antonio Zafra en cine, televisión y teatro. Decide montar su propia compañía para crear espectáculos más personales. Al tiempo, al quedarse sordo, hubo un paréntesis de varios años en los que Antonio Zafra se ha dedicado a otros oficios como la informática. En 2019 tras una operación de implante coclear decide volver a las tablas y toma la firme decisión de retomar su propia compañía para dar visibilidad a esta discapacidad invisible.

El primer montaje, ‘Oye, escucha’ lo estrena en enero de 2020 en el Centro Cultural MVA de Málaga, con tal acogida y éxito del público, que consigue la exhibición en las salas más importantes de Málaga y dos premios Ateneo de Málaga de Teatro al Mejor Espectáculo Original y al Mejor Actor. En 2021 estrena ‘Lear!’ Un espectáculo unipersonal sobre la obra de W. Shakespeare en el que también visibiliza su sordera signando partes del texto en proyecciones durante la función mientras se va realizando la función.

En 2022 realiza el montaje para la clausura del I Festival de Teatro inclusivo Manquita Málaga “!Tempestad¡ (la comedia)” Es una adaptación de la obra de Shakespeare escrita por Pablo Bujalance para un espectáculo de gran formato con nueve actores y música en directo.

Y junio de 2023 estrena ANSIA espectáculo unipersonal sobre enfermedades mentales y como mencionamos anteriormente los miembros de este equipo Antonio Zafra y Víctor Alfonso (Presidente y Vicepresidente de la Asociación Manquita Málaga) se encargan de la organización del Festival de Teatro Inclusivo Manquita Málaga en sus dos ediciones 2022 y 2023.

Representación dramática de un compendio de cartas de despedida, de amor, de desesperanza. Cartas reales de personajes ilustres de la historia, que en momentos de vulnerabilidad, se lanzan a escribir como único modo de decir lo que en persona no han podido, no han sabido o no son capaces. Con música en directo y un elenco actoral inclusivo, la puesta en escena propone la participación del público.

Antonio Zafra
La compañía nace en 2010 tras una larga experiencia del actor Antonio Zafra en cine, televisión y teatro. Decide montar su propia compañía para crear espectáculos más personales. Al tiempo, al quedarse sordo, hubo un paréntesis de varios años en los que Antonio Zafra se ha dedicado a otros oficios como la informática. En 2019 tras una operación de implante coclear decide volver a las tablas y toma la firme decisión de retomar su propia compañía para dar visibilidad a esta discapacidad invisible.

El primer montaje, ‘Oye, escucha’ lo estrena en enero de 2020 en el Centro Cultural MVA de Málaga, con tal acogida y éxito del público, que consigue la exhibición en las salas más importantes de Málaga y dos premios Ateneo de Málaga de Teatro al Mejor Espectáculo Original y al Mejor Actor. En 2021 estrena ‘Lear!’ Un espectáculo unipersonal sobre la obra de W. Shakespeare en el que también visibiliza su sordera signando partes del texto en proyecciones durante la función mientras se va realizando la función.

En 2022 realiza el montaje para la clausura del I Festival de Teatro inclusivo Manquita Málaga “!Tempestad¡ (la comedia)” Es una adaptación de la obra de Shakespeare escrita por Pablo Bujalance para un espectáculo de gran formato con nueve actores y música en directo.

Y junio de 2023 estrena ANSIA espectáculo unipersonal sobre enfermedades mentales y como mencionamos anteriormente los miembros de este equipo Antonio Zafra y Víctor Alfonso (Presidente y Vicepresidente de la Asociación Manquita Málaga) se encargan de la organización del Festival de Teatro Inclusivo Manquita Málaga en sus dos ediciones 2022 y 2023.

Inspirada en la obra de Caravaggio, esta propuesta de danza flamenca se aleja de lo puramente esteticista para presentar un flamenco menos idealizado, un poco raquítico y hasta tenebroso, un trabajo dramático que juega al equilibrio entre lo animal – o fiero – y lo humano.

ELENCO

Juan: Rafael Amargo
Herodes Antipas: Carrete de Málaga
Miriam: Luisa Chicano
Salomé: Luciana Bonn
Salomé danzarina: Sandra Abril Hita
Herodías: Josele Román
Jodías: Jordi Donatte
Soldado: Carlos Escuredo
Voz del evangelista: Luis Libertad
La conciencia: Sonia Santana

Rafael Amargo
Es un bailarín y coreógrafo ecléctico, nacido en Granada, reconocido y premiado a nivel mundial por ser un reivindicador de la compañía de baile, y del concepto teatral y escénico del flamenco.

Su amplia y extensa trayectoria, han hecho que sea uno de los artistas españoles más premiados a nivel mundial, así como el más joven de la historia en recibir la Medalla de Oro de las Bellas Artes, de mano de los Reyes de España; y Medalla de Andalucía, entre muchos otros.

Paralelamente a su labor como bailarín y coreógrafo, y, además de trabajar como actor, director de cine, modelo, diseñador de moda, profesor de flamenco impartiendo clases alrededor de toda España y el mundo, y juez y coach de prestigiosos programas de televisión.

La escuela de Marta Graham en New York, Luisillo, María Rosa, Rafael Aguilar y Antonio el Bailarín son algunos de sus maestros y referentes del baile. Debuta profesionalmente en Madrid a los dieciséis años, en la Compañía de la gran Lola Flores, bailando en los años siguientes en los mejores tablaos de Madrid y en las mejores compañías de danza.

En 1997, forma su propia compañía de baile, siendo “La Garra y el Ángel” la primera producción, con la cual ha estrenado, hasta el momento, 22 producciones, la mayoría de gran gran envergadura, teniendo a su cargo equipos grandes, llegando a rondar entre las 50 y 60 personas, entre artistas y equipos técnicos. Además de ocuparse activamente de gran parte del trabajo de producción, distribudción y organización de los mismos. Sus espectáculos pueden considerarse como actuales y tradicionales simultánemente, enlazando el baile con otras artes, como las artes visuales, la música, el teatro y las artes plásticas, y con frecuencia colabora con pintores (como Luis Gordillo o Domingo Zapata), escultores (Esperanza d'Ors) o fotógrafos (Bruce Weber, Christopher Makos). Sus más de 30 espectáculos hasta la fecha, se han representado en los mejores festivales y teatros del mundo.

Luisa Chicano
Luisa Chicano, bailaora malagueña, aprende a bailar de forma autodidactica a la edad de 11 años viendo a Pilar Carmona, Pepito Vargas. En sus comienzos artísticos pasa por distintos escenarios con el cuadro de Luci Montes, Pepito Vargas, Pilar Carmona, entre otros. A la fecha, ha recorrido los distintos tablaos de la Costa del Sol y ha formado parte del Circuito de Peñas realizando actuaciones por toda Andalucía. Ha llevado a cabo algunos proyectos con Turismo Andaluz habiendo recorrido toda España y Europa, pasando por Japón y Corea. A destacar su participación en diversas bienales, con Artistas como La Cañeta, La Lupi, entre otros.

Ha bailado en distintos festivales flamencos, nacionales e internacionales. Destacando el Festival de Ginebra (Suiza), el de Nines (Francia) y nacionales como el Festival de Morón, de Jerez (junto a Carrete de Málaga), El Palo, Rincón de la Victoria, Casabarmeja, Alcaucín...

Ha actuado junto a Cecilia Bartoli y la filarmónica de Ginebra con una pieza de castañuelas bajo de la dirección de Manuel Casares recorriendo 14 teatros, desde el Teatro de La Maestranza (Sevilla) pasando por el Teatro de los Campos Eliseos (París), la Filarmonica de Berlín...

En 2002 salió de España por una temporada, impartiendo cursos de flamenco en Chipre y Grecia.Ha formado parte de la Compañía “Flamenco Visión” con Juan Martín recorriendo Canadá, Turquía, Omán, Arabia Saudí.

El Carrete de Málaga
José Losada Santiago (nacido en 1941 en Antequera) es un bailaor de flamenco. También conocido por el sobrenombre del Fred Astaire gitano por su peculiar forma de taconear y por una anécdota infantil que lo relaciona con este artista.Nace en un año indeterminado de principios de los años 40 en Antequera (solo se ha encontrado su partida bautismal, el resto de papeles de su registro están perdidos), en el seno de una familia de gitanos andarríos aunque muy joven se desplaza a la capital en Málaga.

Es conocido en todo el mundo y los más importantes bailaores y más vanguardistas no dejan de rendirle pleitesía como maestro singular, extra académico por encima de todo. Tuvo durante tres años su propio tablao, el Rincón Flamenco de Pepe Carrete. Por el año 1983-84 trabajó como bailaor en el tablao Pepe López (anteriormente El Jaleo, antes nombrado). Hasta hace pocos años era titular en el tablao Los Tarantos de Playamar (Torremolinos), junto a Trini Santiago, otra bailaora de enjundia. En la clausura de la primera bienal formó el taco, cuando actuó como sustituto de Matilde Coral en el espectáculo Dos generaciones junto a otros grandes como Chano Lobato o La Cañeta, y la joven Rocío Molina.

En la segunda bienal, la Agencia Andaluza para el Desarrollo del Flamenco produjo un espectáculo en el que se contaba su vida, un espectáculo que llevaba por título Yo no sé la edá que tengo”, con José Luis Ortiz Nuevo de actor y guionista y los cantaores Juan José Amador y José Valencia entre otros en su elenco. Carrete era la estrella al baile. El espectáculo narraba su vida. Recogió encendidas críticas de todos los lugares donde se hizo. Luego también rodó con este mismo texto teatral en un formato más pequeño bajo el título de 'Carrete, íntimo”. Actuó en Los Jueves Flamencos de Cajasol de Sevilla con un gran éxito de crítica. También se recuerda el muy buen sabor de boca que dejó en su encuentro con Estrella Morente en el ciclo Singulares de Málaga en Flamenco. Luego sería reclamado por el Teatro Lope de Vega de Sevilla para representar de nuevo “Yo no sé la edá que tengo", que causó conmoción en la capital hispalense.

Tras este sonado éxito ha repetido en varias bienales de la capital andaluza donde cuenta con casi tantos incondicionales como en Málaga. También fue protagonista de un espectáculo propio en el Festival de Jerez de la Frontera y ha ido igualmente llevando el nombre de Torremolinos y Málaga a otras citas de categoría como Mont de Marsan, el Festival de Morón y los más cercanos de La Torre del Cante (Alhaurín de la Torre) o El Palo (Málaga) en los últimos años. En 2015 estrenó en el Teatro Echegaray un espectáculo ideado y coreografiado por él mismo y Paco Roji donde celebraba sus 60 años en activo. En la actualidad sigue dando clases de baile flamenco en Torremolinos, donde vive desde hace más de cuarenta años y es toda una institución viviente.

Work in progress nacido de la unión de dos universos musicales distintos, pero hermanados en la improvisación libre y la intensidad del momento: por un lado, el de los sonidos flamencos y las métricas populares del cantaor Matías López "El Mati"; por el otro, el de la electrónica modular de compás y fluencia modal libres de Juanjo García "Caradusanto". Juntos sobre el escenario, Mati y Caradusanto crean paisajes sonoros mágicos e íntimos llenos de pasión y sentir, en una conjugación flamencoelectrónica llena de placeres armónicos y de caminos sonoros que aún están por explorar.

Para esta ocasión, ambos serán acompañados por los visuales en directo del creativo visual Alexis Cruzado "PRRMB!", quien los sumergirá en una atmósfera de luz y oscuridad en la que proyectará un río visual hecho de memoria flamenca, poesía jonda y belleza en el glitch.

Matías López "El Mati"
Nacido en Barcelona de padres extremeños, Matías Lopez “El Mati” es un cantaor flamenco que, desde muy joven, ha venido desarrollando su carrera entre Andalucía y el mundo, participando en escenarios y festivales flamencos por todo el mundo junto a elencos llenos de primeras figuras del baile y la música flamenca. Tras lanzar en 2018 “Doce de Cuatro” (su primer trabajo discográfico, producido por Fernando María) y ganar en 2019 la "Lámpara Minera" en el 59 Festival Internacional del Cante de las Minas en la Unión (Murcia), su nombre no ha parado de subir y de brillar en el firmamento flamenco. Actualmente "El Mati" acompaña al cante a la bailaora Sara Baras en el espectáculo "Alma", producido por la compañía de la aclamada artista gaditana.

Juanjo García "Caradusanto"
Artista autodidacta nacido en Málaga, Juanjo García "Caradusanto" es un creador con diversas personalidades artísticas, musicales y plásticas.

Como músico, Caradusanto busca el movimiento en la sonoridad mediante cadencias percutivas que, como un péndulo hipnotizador, transportan al oyente a un mundo abstracto pero hermoso, violento pero reconfortante: un útero voltaico en el que todo es posible y donde solo el oído receptor puede definir los límites.

Su registro más reciente es el EP “Hablamos contigo en los cielos”, un trabajo, en palabras del autor, "creado de lo emocional, de los malos momentos, de la mierda y del ruido que todos llevamos dentro y que a veces no nos deja ni respirar". Caradusanto realiza con este EP un ejercicio espiritual donde cada composición nace de oscuros retoños suaves que, en una suma de sonidos rotos llenos de armonía, se desarrollan hacia finales sin fin explotando en una nube de belleza y caos.

Alexis Cruzado "PRRMB!"
PRRMB! es el nombre en arte de Alexis Cruzado Pérez, un diseñador y creativo que proyecta en sus visuales reflexiones sobre arte, cultura, tecnología y política en paisajes glitch y campos abstractos de color, ruido, luz y oscuridad creados a partir de dibujos, fotografías, loops de video y retazos de código y textos manuscritos.

Vulnerables es una convocatoria del Museo Carmen Thyssen Málaga para el desarrollo y ejecución de proyectos escénicos en espacios no convencionales.

En la sociedad de la imagen filtrada, donde la representación de los cuerpos se estereotipa y somete a estéticas de lo heroico idealizado, proponemos hablar de lo contrario. Los seres humanos, en su digna humanidad, somos carentes y finitos y nuestro cuerpo/mente atraviesa etapas de fragilidad e indefensión que nos impulsa a una interdependencia mutua basada en una ética de los cuidados.

Como cada año, la temática de la convocatoria se enmarca en el contenido expositivo que programa el museo durante el otoño, en este caso, dedicado a la representación barroca de la santidad donde las imágenes, alejadas de toda belleza idealizada, muestran la flaqueza de unos cuerpos, rostros y miradas “fieramente humanos”.

Los proyectos estarán destinados a un público adulto y deberán inspirarse en uno o varios de los aspectos ligados al concepto marco Vulnerables presente en dicha exposición temporal.

Comisariado: Alicia Navarro
Dirección bienal: Encarnación Soriano
Concepto en escena y dirección científica: Alicia Navarro
Instituciones colaboradoras: Bienal Arte Flamenco Málaga, Museo Picasso Málaga, Museo Carmen Thyssen Málaga, Alcazaba y Castillo de Gifralfaro
Con el apoyo científico IH-CSIC Danzante (pid2021-122286nb-i00)

La negritud, ese conjunto de características sociales y culturales atribuidas a la raza negra, juega un papel crucial y a la vez fronterizo en el flamenco. Pero “¿Qué cosa es ser negra? ¡Negra!” en el flamenco. El ciclo propone iniciar la descolonización de la negritud cultural, fluida y mestiza presente en los cuerpos flamencos, en sus diferentes territorios ecológicos o geoculturales y en sus procesos de creación. Casi una extranjería claramente percibida en las pieles (gitanas, moras, negras, morenas…), tan presente en los bailes o sones que anegaron ciudades y diásporas, desde la expansión colonial. Pues todas ellas fueron, en mayor o menor medida, zonas fronterizas o borderline conectadas de forma geopolítica ergo cultural con Andalucía.

Al tiempo que el negro se convirtió en un elemento para el bienestar blanco, la potencia gestual, cultural y estética de estos cuerpos disidentes se filtró en las zonas liminares sureñas uniéndose por colectividad vivencial y marginal con otros cuerpos blancos y marrones. Ejemplo de estos interesantes cruces o vasos comunicantes fueron la malagueña Calle Los Negros, la venta de La Negra situada en la margen derecha del Guadalquivir, frente a la Isla Mayor, o la aparición de la gitanofilia como sustituta a la maurofilia.

Miércoles 17 de mayo

20.00h
Alicia Navarro y Paco Roji
Calle Los Negros: descolonizando el territorio flamenco

La investigadora y comisaria del ciclo, Alicia Navarro, y el escritor Paco Roji disertan sobre el legado afrodescendiente, morisco y gitano que vertebra las raíces flamencas de la malagueña Calle Los Negros, pero también de Andalucía como territorio fronterizo. Una charla a dos voces que viaja por un nuevo proceso de reflexión inaugurado al calor de las llamadas teorías descoloniales y epistemologías del sur. Hay espacios urbanos con un sustrato humano especial para el desarrollo de ciertas manifestaciones culturales. Uno de estos microcosmos es la calle los Negros, más que una calle es todo un territorio flamenco que debemos empezar a descolonizar.

20.30.00h
Raúl Rodríguez
Antropomúsica de Ida y Vuelta

Con Raúl Rodríguez: voz, tres flamenco, percusión y loops
Concepto Raúl Rodríguez
Dirección musical Raúl Rodríguez

Raúl Rodríguez es un verdadero explorador sonoro. Su Antropomúsica de Ida y Vuelta parte de la experimentación y la innovación musical, así como del deseo de entender el funcionamiento interno del rizoma del flamenco. Investiga de forma antropológica y sonora los cantes del Caribe AfroAndaluz y el mestizaje de sones híbridos que dan forma al flamenco tal y como lo conocemos. Una creación teórica y performativa que pone de relevancia la necesidad de discursos que estén elaborados desde una perspectiva interdisciplinar. Entender la inteligencia escénica como un material explicativo más para empezar a analizar las distintas transformaciones creativas que se producen en el acto performativo. Es tiempo de leer de otra forma la historia del flamenco.

21.30h
Coloquio conjunto

Jueves 18 de mayo

20.00h
Juan Gallego Benot
Duende encadenado. Reinventando el teorema colonial

Con Juan Gallego Benot: voz, dirección académica, sonora y poética

Juan Gallego Benot busca analizar, a través de la metáfora performativa, cómo lo negro asimilado termina en gran medida representando la cultura de todo un territorio, al tiempo que realiza un ejercicio de desapropiación cultural en escena. Extraer de Prometeo las categorías poéticas asimiladas por la cultura hegemónica, «desencadenarlo» de la noción nacionalista que lo consagró durante el franquismo y revisar su uso a través de un recital poético con acompañamiento sonoro-experimental. Lo que propone esta acción no es acabar con el Duende, ni remedar el proyecto lorquiano, sino más bien deshigienizar su conceptualización contemporánea y mostrarlo como un híbrido: cargado de significados imprecisos, vivo al fin, fuera de los estrictos márgenes de la limpieza de sangre. Reinventándolo hoy como teorema decolonial.

20.30h
Javiera de la Fuente
Envioletá/ Un estudio

Con Javiera de la Fuente: baile y voz
Martín Benavides: paisaje sonoro //
Concepto original y codirección: Javiera de la Fuente
Colaboración Pedro G. Romero
Paisaje sonoro: Martín Benavides

La bailaora chilena interpreta Envioleta/Un estudio en busca de abrir a la experiencia en directo tres de las cápsulas que componen Envioletá. Partiendo de un diálogo abierto entre su baile y la música de Martín Benavides, explora los límites de la piel o de los cuerpos ajenos y propio en el flamenco. Mediante este estudio de las cápsulas contenidas en Envioletá nace un proceso de reconstrucción histórica y simbólica, a la vez que de deconstrucción y reinterpretación de las tradiciones chilenas, andaluzas, republicanas, coloniales y decoloniales. Javiera de la Fuente y Martín Benavides plantean preguntas desde la relación con lo flamenco. El sentido y la experiencia de la migrancia o la pertenencia, los discursos de identidad y las poéticas comunes que vertebran el flamenco.

21.30h
Coloquio conjunto

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PROGRAMA COMPLETO

Sesion 01/ martes 16 de mayo/ Museo Picasso Málaga
20:00 – Miguel Ángel Rosales
20:30 – Yinka Esi Graves
21:30 – Coloquio conjunto

Sesión 02/ miércoles 17 de mayo/ Museo Carmen Thyssen Málaga
20:00 – Javier García Fernández y Paco Roji
20:30 – Raúl Rodríguez
21:30 – Coloquio conjunto

Sesión 03/ jueves 18 de mayo/ Museo Carmen Thyssen Málaga
20:00 – Juan Gallego Benot
20:30 – Javiera de la Fuente
21:30 – Coloquio conjunto

Sesión 04/ viernes 19 de mayo/ Castillo de Gibralfaro
20:00 – José Javier León
20:30 – Tomás de Perrate 21:30 – Coloquio cierre

Esta pieza se presenta como un ejercicio, un juego íntimo y honesto. En una suerte de spin-off, Lula Amir, acompañada por Daniel Blacksmith, nos invita a conocer el background de Un naufragio, su más reciente creación que pone en el centro cuestiones como la salud mental, el aislamiento y la comunicación, articulando reflexiones desde el lenguaje del movimiento. 

En este encuentro tangencial entre Lula Amir y Grete Stern (actualmente en exposición) se conectan los tres pilares de la última creación de la bailarina con una de las líneas de trabajo de la fotógrafa, a través de fotomontajes sobre la domesticidad en las mujeres en la década de 1950, realizada para la sección "El psicoanálisis te ayudará" de la revista Idilio.

Lula Amir es bailarina y coreógrafa formada en el ámbito no académico con diversos representantes de la escena internacional. Actualmente trabaja en su nueva creación, Libidinal, pieza producida por Factoría Echegaray que se estrenará en junio de este año. 

Lleva su proyecto en solitario y co creaciones con diferentes artistas y compañías, como Snap Dance Company con la que acaba de estrenar en la ciudad de Atenas Symposium. Lula enfoca su trabajo a la pedagogía así como a la creación, sosteniendo su laboratorio permanente de formación e investigación del movimiento en Málaga. Algunos de sus trabajos han recorrido los escenarios de Festival de Danza de Málaga 2017, Chytirio Theatre Atenas, Megaron Athens, GEN Uruguay, La vitrina de belgrado Argentina, entre otros.

Daniel Blacksmith (1989) es un compositor, multinstrumentista y productor musical español. Fascinado por la música y las tecnologías comienza a formarse de manera autodidacta durante su adolescencia. Más tarde realiza estudios formales en imagen, sonido, educación y arte.

Tras más de una década dedicada a trabajar en la composición de bandas sonoras, grabaciones en estudio y producciones de otros artistas decide emprender su propio proyecto como Daniel Blacksmith.  

Sus composiciones se caracterizan por integrar la guitarra romántica, el piano minimalista y elementos ambientales del post-rock o la electrónica con arreglos propios de la orquesta tradicional. En su obra hay también una fuerte influencia de la música cinematográfica, la filosofía existencialista y el arte conceptual.

La exposición "Fervor de Buenos Aires" cuenta con la participación de Fundación Telefónica y la colaboración de Fundación la Caixa y Soho Boutique Hotels.

Feelings es “un trabajo que nunca se ha definido. Nació el día de una muerte y surgió como un grito o un llanto por esa pérdida. Desde ese momento se negó a tomar una forma concreta y también se negó a morir. Feelings es un cuerpo vivo que quiere habitar espacios para llorar, para tomar el llanto como un ejercicio de liberación, para bailarlo y exaltar la belleza de un cuerpo abatido”.

A continuación, el documental Cadencia, dirigido por Virginia Rota en colaboración con la bailarina y coreógrafa Janet Novás, ofrece la mirada íntima de Virginia sobre el trabajo de Janet. Nos permite acceder a través de textos e imágenes al universo que rodea la obra de esta artista. 

Janet propone el visionado del documental para detonar una conversación sobre los modos de colaboración entre artistas de diferentes disciplinas. En este caso el interés que tiene Janet en explorar cómo el cuerpo se ve afectado y transformado por las intervenciones de otros artistas en su obra. Esta misma inquietud la llevó a colaborar con la compositora, vocalista e instrumentista Mercedes Peón durante su residencia en el CDC, donde mostraron su pieza Mercedes mais eu, un proyecto de investigación que surge como resultado de varias colaboraciones entre ambas artistas.

Janet Novás es bailarina y creadora gallega. Reside en Madrid desde el año 2001. Se formó en danza contemporánea entre Madrid, Bruselas y Berlín.

En el año 2008 comienza a crear y a desarrollar su propios proyectos dando lugar a la experimentación y a la auto-investigación. Su obra se construye desde la observación, la experiencia y el diálogo con su cuerpo como principal herramienta, apostando por un lenguaje propio, moldeando el contenido emocional y la sencillez estética que caracterizan sus trabajos.

Desde sus inicios como creadora Janet Novás ha contado con la colaboración del músico y compositor Haru Mori y el coreógrafo y performer Ricardo Santana.

Sus creaciones se han presentado en prestigiosos festivales nacionales e internacionales como Rencontres Chorégraphiques, Festival de Marseille, Festival Nouvelles-Pole Sud, Cement Festival, Dança en Transito, MOV_S, TNT Dansa, Festival de Otoño a Primavera, Escenas do Cambio y el Festival Bad, entre otros.

La exposición "Fervor de Buenos Aires" cuenta con la participación de Fundación Telefónica y la colaboración de Fundación la Caixa y Soho Boutique Hotels.

Foto: Niche Ramírez

Baleia tiene su origen en un sueño: “cuatro ballenas emergen del mar y terminan posándose en la arena junto a mí. Me apuntan con sus cabezas, señalándome los cuatro puntos cardinales. Lo entendí como una llamada de auxilio”. El mar, umbral entre la vida consciente e inconsciente, es un cuerpo de mujer amenazado por un sistema de crecimiento basado en el plástico.

Hilvanados por una dramaturgia-collage, los movimientos de Baleia ondean del flamenco a la danza contemporánea, del drama al humor, de la palabra a la música, del imaginario colectivo a la experiencia personal. Todo ello desde una poética del deshecho, del residuo redimido y transformado en cuerpo de creación.

Olga Magaña es creadora escénica e intérprete, licenciada en coreografía e interpretación del flamenco por el Conservatorio Superior de Danza de Málaga en 2015.

Su proyecto final de carrera, Toma que time, le vale el primer premio MálagaCrea y Marbella Crea, además del Premio al Mejor espectáculo de Danza por el Ateneo de Málaga en 2016. Es aquí cuando forma su propio proyecto: Ararí Danza, con el que crea piezas como Toma, Baleia, De Blanchard A La Ribot y Ñagami.

Su espectáculo Baleia La Manada, producido por Factoría Echegaray en 2021, es galardonado con el Premio a Mejor Espectáculo en la VI edición de CINTA del TNT- Atalaya y recibe tres premios del Ateneo de Málaga por mejor obra original, mejor dirección y mejor iluminación.

También ha trabajado como intérprete y coreógrafa para compañías como Mayúmana, El Espejo Negro, REA Danza, Viviseccionados y Acuario Teatro.

Desde 2019 trabaja como cooperante en el Proyecto Acerca de la AECID impartiendo clases de danza en el Conservatorio de Artes de Mali, y en diferentes asociaciones culturales en Bamako.

La exposición "Fervor de Buenos Aires" cuenta con la participación de Fundación Telefónica y la colaboración de Fundación la Caixa y Soho Boutique Hotels.

El Cuerpo Líquido es una performance-instalación en la que intervienen materiales y dispositivos tecnológicos, entre los que destaca LUCHA: La primera máquina escénica creada en España que, a través de la voz, colabora e interactúa con el espectador y la performer para generar acciones.

La pieza se inspira en el concepto de Zigmund Bauman acerca de la «La Vida Líquida», para reflexionar sobre la vida contemporánea ligada a las tecnologías digitales, al tiempo, la circulación de las imágenes, la fragmentación, el control social y las éticas de consumo en la vida local/global. Propone a las máquinas como nuevas especies a partir de LUCHA IA y un robot de baja escala.

PROGRAMA

6 de octubre
¿Por qué Pompa se encontró con Espina?
De Miriam Nicolás y Violeta Nicolás

La pompa de jabón, en un principio, resulta ser lo opuesto a una espina de cactus. ¿Es su convivencia imposible? Sobre esta cuestión de contrarios, que hallan de manera misteriosa y sorprendente un punto en común, se inspira el presente proyecto.

En la ideación del proyecto han participado una persona con Síndrome de Down y un niño de cuatro años, una de las fortalezas de este espectáculo dirigido al público adulto.

13 de octubre
Taranto aleatorio
De María del Mar Suárez "La Chachi" y Lola Dolores

Una pieza de flamenco contemporáneo. Dos mujeres comen pipas en un parque, o en la puerta de una casa, o en un patio. Comparten un espacio cotidiano común, una conversación, la intimidad del silencio. De pronto, el cante y el baile rompen el mundo ordinario e introducen la magia.

3 de noviembre
El cuerpo del enemigo
De Cristian Alcaraz y Ramón Gázquez (Cía. Spam. Please. Enter)

El cuerpo del enemigo es una propuesta performativa basada en el libro Individuo armado, que –tomando como punto de partida diferentes historias reales– tiene como objetivo abordar la construcción de la masculinidad en su relación con el espacio digital.

24 de noviembre
El cuerpo líquido
De Brisa MP

Performance-instalación con materiales y dispositivos tecnológicos –entre los que destaca LUCHA (primera máquina escénica creada en España)–. Una reflexión sobre la vida contemporánea, las tecnologías digitales, el tiempo, la circulación de imágenes, la fragmentación, el control social y las éticas de consumo en la vida local / global.

El cuerpo del enemigo es una propuesta performativa creada por Cristian Alcaraz y la Cía Spam. Please. Enter. que tiene como objetivo abordar la construcción de la masculinidad en su relación con el espacio digital. El enigma, a fin de cuentas, de un sujeto que desea a otros cuerpos y, al no poseerlos, los destruye.

Cristian Alcaraz (poeta, creador escénico) y Ramón Gázquez (doctor y creador escénico) son Spam.Please. Enter. y trabajan juntos desde 2018. Han recibido diferentes apoyos a la creación como Residencia de investigación de Centro de Danza Canal, apoyo a la creación de Centro Cultural Conde Duque, I Convocatoria de proyectos culturales de Univ. Málaga o Compañía Residente en Teatro Cánovas (Junta de Andalucía).

Cristian Alcaraz ha publicado los poemarios Turismo de interior (La Bella Varsovia), La orientación de las hormigas (Renacimiento) e Individuo armado (Letra Versal), y ha sido residente de la Fundación Antonio Gala para jóvenes creadores.

Ramón Gázquez es doctor por la Universiteit Gent en creación, critica y reflexión teatral, V Premio de investigación ‘José Monleón’ de la Academia de Artes Escénicas de España, dramaturgo de la obra Mujer en cinta de correr sobre fondo negro (premio Max al mejor espectáculo revelación), de Alessandra García, y actualmente profesor de dramaturgia en la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga.

Dos mujeres comen pipas en un parque, o en la puerta de una casa, o en un patio. Comparten un espacio cotidiano común, una conversación, la intimidad del silencio. De pronto, el cante y el baile rompen el mundo ordinario e introducen la magia.

Taranto Aleatorio es una pieza de investigación escénica que arranca de los cantes minero-levantinos. El Taranto, como palo flamenco, fue en origen un cante desnudo, seco, sin guitarra, que nació de la necesidad de cantar por libre.

Respetando la estructura del tablao tradicional, la propuesta investiga cómo el encuentro entre el baile y el cante puede dar paso a lo aleatorio para transformarse. La llamada al baile explora los quejíos del taranto para que las coreografías se transformen desde el contagio, incorporando todo aquello que surge al bailar, al cantar.

Mª del Mar Suárez La Chachi

Bailaora, directora de escena y actriz se licencia en ambas disciplinas en su ciudad natal. Tras especializarse en flamenco con La Lupi y formarse en teatro gestual, danza contemporánea y nuevas dramaturgias con Alberto Cortés, descubre su verdadera pasión: la unión de todo lo anterior. Con su primer trabajo La gramática de los mamíferos comienza a consolidarse como creadora de vanguardia andaluza. Este trabajo estrenado en 2017 ha formado parte de los catálogos Enrédate, Danza a Escena y Red de teatros Alternativos con gira nacional además recibió 3 premios PAD 2017 a mejor espectáculo, mejor intérprete y mejor espectáculo sin subvención y premio Lorca de Teatro andaluz a mejor intérprete de danza 2018. La Espera. Rave/convento/flamenco fue seleccionado en las residencias de investigación de Teatros del Canal 2019 y programado en la sala B Teatro Central de Sevilla, premio Ateneo en el mismo año a mejor espectáculo de danza.

Los inescalables Alpes, buscando a Currito, su tercera producción, se estrenó en 2021 para eL 39º Festival de Otoño de Madrid actualmente espectáculo incluido en el 15º Cuaderno de recomendaciones de la comisión de danza (mayo 2022) de Redescena y Premio Godot 2022 a Mejor Espectáculo de Danza.

Esta misma temporada ha colaborado como intérprete para Fernando López y junto a Belén Maya en El movimiento, pieza estrenada para Surge Madrid y El último acto de fe de Laura Morales estrenado en el Teatro Central de Sevilla.

Realiza workshops en UK desde hace dieciseis años participando 5 años consecutivos bailando en solitario en la cía. Alba Flamenca para el Fringes Fest Edimburgo. Profesora de flamenco tradicional en Málaga desde 1998.

Lola Dolores

Cantante y actriz, nacida en Córdoba y residente en Málaga. Su familia le transmite una verdadera pasión por el Flamenco, es por ello que comienza a cantar e interesarse por esta disciplina desde pequeña. Se forma de manera autodidacta en distintos estilos musicales como el Soul, Pop, R&B, Rock, ...

Se forma como actriz en la Escuela Superior de Arte Dramático en Málaga (ESAD) y trabaja desde entonces en diversas obras de teatro de diferentes géneros y estilos.

Forma parte de diferentes grupos musicales así como en solitario en eventos públicos y privados a nivel nacional e internacional. Corista de estudio para artistas como Diego Torres, La Mala Rodriguez, Radio Macandé... Con La Mala Rodriguez trabaja como corista en los conciertos durante tres giras extensas por Europa y América.

Actualmente forma parte de la compañía "La Pharmaco" en la que acompaña a Luz Arcas en su obra "Toná" y además se encuentra inmersa en tres piezas teatrales de nuevos lenguajes en la que el Flamenco es protagonista, "La Gramática de los Mamíferos", "Los Inescalables Alpes" y "Taranto Aleatorio" de María del Mar Suarez "La Chachi".

La pompa de jabón, en un principio, resulta ser lo opuesto a una espina de cactus. ¿Es su convivencia imposible?

Sobre esta cuestión de contrarios, que hallan de manera misteriosa y sorprendente un punto en común, se inspira el presente proyecto.

La pieza explora un lenguaje de poesía visual y escénica, articulada con acciones diversas que se valen de un lenguaje corporal y gestual para representar los mencionados contrarios. La expresividad y experimentación de la voz así mismo está presente. Se plantean, de manera lírica y enigmática, cuestiones diversas sobre aspectos que encarnan la Pompa de jabón y la Espina del cactus. Estos abarcan a los exoplanetas -planetas más allá del sistema solar- al apelar a la metáfora de la pompa como ese mundo sutil, ingrávido al que se refería el poeta Antonio Machado.

En la ideación del proyecto han participado una persona con Síndrome de Down y un niño de cuatro años, una de las fortalezas de este espectáculo dirigido al público adulto.

Violeta Nicolás
Doctora en artes escénicas (UAH) y licenciada en Bellas Artes (UMU). Ha participado en : Día Internacional de los museos, Museo Vostell, Cáceres (2022); Congreso Internacional de Artes y Diversidad, Murcia (2022); De un lado a otro, Biblioteca Casa de las Conchas, Salamanca (2021); Pequeño evento de performance art, P.E.P.A., Madrid (2020). Desarrollo de la performance “Cuando se cogen fuerzas” en la Feria Internacional de arte contemporáneo Marte, Castellón (2017). Exposición colectiva “Suspendidos” en We are Fair, Madrid (2017). Exposición “Embutir y digerir” (La Comunidad) y Antoni Miralda, AcVic Centre d ́arts contemporaines, Barcelona (2016). Recibe la Ayuda a la Creación, INJUVE (2014-2015) por el proyecto de creación literaria “Flow”. Beca Residencia artística Inmediaciones (2014) proyecto Agravio Comparativo (La Comunidad). Tercer premio por el proyecto “Churro Infinito”, en el IX instalaciones “Mujer”, Sierra Norte, Madrid (2013).

Miriam Nicolás
Ha realizado las performances junto a Violeta Nicolás,“Ejercicios para no perderse”, Congreso Internacional de Artes y Diversidad, Murcia (2022) y “Cuando se cogen fuerzas” Feria Internacional Marte (2018). Ha participado en la performance “Eolia” (2018), espacio Es/UM Campus de la Merced y en otras realizadas con el colectivo de artistas: INOUT. Participa en espectáculos diversos de danza contemporánea desde hace más de diez años. Durante los últimos cuatro años es alumna de “Técnicas de grabado” en la Facultad de Bellas Artes (Universidad de Murcia) y en la asignatura “Escultura integrada y expandida”, en un programa de colaboración con ASSIDO. Premio a las cerámicas realizadas por integrantes de ASSIDO, en colaboración con Alibuilding (2022). Colabora como artista en múltiples exposiciones colectivas en el Colegio de Arquitectos de Murcia, organizadas por ASSIDO.

eNiGMas es una convocatoria para el desarrollo de proyectos escénicos a realizar dentro de los espacios del Museo Carmen Thyssen Málaga.

El enigma señala aquella realidad sumergida que resulta inasible a primera vista porque se escapa a la lógica de la comprensión racional: está oculta, pero, al mismo tiempo, promete la posibilidad de ser descifrada. Si se agudiza la escucha ante el enigma, su secreto puede ser revelado.

A partir del mes de octubre de 2022, momento en el que se iniciarán las puestas en escena de las obras elegidas, el Ciclo de Artes vivas eNiGMas contará con el marco idóneo de la exposición temporal proveniente del Museé d’Ixelles de Bruselas; la libertad creativa de los artistas ahí concitados y las atmósferas irreales de las obras mostradas, sugieren un territorio de sendas diversas para bucear la realidad y presenciar el “enigma”.

Si en la 1ª edición, la máscara fue el detonante de los temas en torno a las identidades, el quiénes somos y de dónde venimos; el año pasado, "Transformaciones" lanzó la pregunta por el hacia dónde vamos y este año, abrimos el espectro hacia el "Enigma", sugiriendo con ello una actitud de búsqueda incesante ante lo incomprensible, lo que no encuentra sentido y, sin embargo, lo puede tener.

Miembros de la mesa de selección: 

Pablo Bujalance
Escritor y crítico teatral 

Isla Aguilar
Directora de FIT de Cádiz

Francisco José Sánchez
Director de ESAD Málaga

Javier Ferrer
Director gerente del Museo Carmen Thyssen Málaga

Lourdes Moreno
Directora artística del Museo Carmen Thyssen Málaga

Eva Sanguino
Jefa de Educación y Acción cultural del Museo Carmen Thyssen Málaga

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Diseño: Carmen Moreno

Carne de canción
Creación e interpretación: Laila Tafur Santamaría
Damas de compañía: Ana Buitrago, Amalia Fernandez, David Montañés
Gracias a: María Cabeza de Vaca y Andrea Quintana.

“El baile es un oficio, la cosa que yo practico. La danzante es la que desea la aparición de una forma en un cuerpo, baila en la brecha de una u otra posibilidad. Se mueve entre la abundancia y la falta, al completo, con todo, la chicha y la ficción. Su mover es aprender a sostenerse en la desestabilización. En el encuentro con la canción, la danzante se lanza también a lo todavía no producido, pero desde una lógica que no le es propia. Es una osada, hace como si sí supiera y lo consigue hacer. Como el ignorante de Rancière, titila entre el saber y el no saber, colándose en ambos. Mezcla cosas estando atenta a los afectos y su brújula es el placer contenido en el hacer. De este modo, cualquier plan o teoría es susceptible de ser actualizado por su práctica, manteniéndose siempre y todavía por definir. Con su cuerpo, desea y habita la vitalidad; con su voz y cacharros desborda su no saber, en su mierda se da la experiencia estética y práctica placentera como maneras legítimas de producir conocimiento. En el encuentro con la canción, la danzante se vuelve aún más audaz en su estudios de erudita ignorante. Si la vida grita, ella canta la canción del repertorio de la fricción entre formas y las fuerzas, entre la carne y el significado, entrando en la potencia del tutti fruti.”

Laila Tafur

Trilla
Música: Le Parody
Baile: Luz Arcas
Luces: Jorge Colomer
Producción: La Phármaco

Trilla surge del encuentro entre Le Parody y Luz Arcas, una indagación en los mundos que comparten: el folk y la electrónica, y la necesidad de cuestionar las estructuras verticales que nos dominan históricamente.

La propuesta es puramente intuitiva, un sucederse de imágenes, bailes y paisajes sonoros relacionados con lamentos (el agua como elemento clave del folclore universal, de las lágrimas al sudor, del erotismo al mal presagio, del nacimiento a la muerte), la guerra (la global y la privada que hace huella en cada cuerpo) y referencias marianas desde una perspectiva pagana.

El título hace referencia a una de las piezas clave de la obra, que desarrolla el concepto de trabajo para acercarse a una propuesta del folk del siglo XXI, un homenaje al cuerpo actual, donde el trabajo es al capitalismo lo que el rezo al cristianismo: una forma de asegurarse el paraíso, el ascenso, el éxito. La producción como religión, el sometimiento como forma de vida, pero, como en el folclore, la autocompasión es suplantada por la fiesta, la miseria “se celebra” en nombre de la vitalidad y la potencia que alcanzan los cuerpos mientras soportan el peso del mundo.

Pintura-materia tg Cuerpo-piel

Señora
Dirección y creación: Rebeca Carrera
Asistencia en dramaturgia y textos: Alberto Cortés
Iluminación y visuales: Azael Ferrer
Música: Alejandro Lévar

“La piel es el órgano más grande del cuerpo humano, poseemos una superficie aproximada de dos metros cuadrados y pesa alrededor de 5kg, casi toda nuestra información está ahí. Un día mi piel dijo: “eres una señora”. Todo empezó a cambiar, a transformarse. Tanto tiempo amando y siendo amada, tanto tiempo amando y siendo amada, tanto tiempo amando y siendo amada, tanto amor, tanto amor, tanto, tanto, tanto. Amores, desamores, pactos, rupturas, dramas, magia universal, el cosmos, mercurio retrógrado. Y ahora qué. “Señora” me enfrenta al conflicto de entrar en una nueva etapa de la vida, la madurez, y en concreto en cómo tengo que entender el amor en esta nueva etapa. Siento la urgencia del cuerpo, se activa el miedo, hay otras necesidades, las preguntas comienzan a ser otras.” Rebeca Carrera y Alberto Cortés

Rebeca Carrera es bailarina e intérprete formada en teatro y danza contemporánea. Rebeca nace en Málaga en 1977 y empieza su formación de la mano de Rocío Solís Curso anual universitario de Teatro Físico. Completa su aprendizaje en Italia con los maestros en Comedia del Arte, Claudia Contin y Ferruccio Merissi en “El Arlequín Errante”. Su investigación por el teatro físico la lleva a Dinamarca, donde realiza diversos talleres de teatro y danza con Odin Teatret y trabaja con la maestra Roberta Carreri. Se adentra en el mundo de la danza contemporánea de la mano de Thomé Araujo en la Cía. Malaga Danza, al que le sigue una extensa formación en danza con diversos creadores y creadoras, en España, Dinamarca, Italia, Bruselas, Holanda y Berlín: Jordi Cortés, Germán Jauregi, Benoit Lachambre, Peter Jasko (Les Slovacks), Janet Novás, Lipi Hernández, Elías Aguirre, Álvaro Esteban, Álvaro Frutos, Teresa Navarrete, Patricia Caballero, Meytal Blanaru, Jos Baker, Jesús Rubio Gamos y Daniel Abreu. Durante su estancia en Berlín se forma con Ricardo de Paula, Tula Limnous y Bruno Caverna. Actualmente está cursando Pedagogía en el Conservatorio Superior de Danza de Málaga, en la especialidad de Contemporáneo.

Azael Ferrer es artista multimedia y diseñador visual para artes escénicas. Su trabajo destaca por generar experiencias de inmersión a través de gráfica generativa, la luz, el sonido y los objetos el espacio. Comparte el proyecto audiovisual BROMO junto con la compositora Paloma Peñarrubia, es fundador del colectivo Transdisciplina y miembro de la AAI (Asociación de Autores de Iluminación). Su obra se ha mostrado en la California Academy of Sciences, Burning Man, SXSW, Fotonica o Keroxen, entre otros.

Alejandro Lévar es compositor, productor y realizador. Su obra abarca la creación de música y contenido para publicidad y artes escénicas, es miembro fundador del sello discográfico DISPAR y dirige el estudio de diseño audiovisual Latrama Lab, especializado en publicidad y comunicación. Además, imparte clases de producción musical en el Centro de Artes y Música Moderna de Málaga.

Alberto Cortés es creador malagueño, formado en Dirección de escena y Dramaturgia e Historia del arte. En 2008 funda la compañía Bajotierra junto a la actriz Alessandra García. Generador de iniciativas como el festival de escena alternativa de Málaga El Quirófano, el ciclo Escena Bruta o iniciativas de mediación y comunicación entre artistas y comunidades como Territorio Expansivo. Creadores como El Pont Flotant, Rodrígo García, Roger Bernat, Daniel Abreu, Patricia Caballero, Juan Luís Matilla o Bárbara Sánchez, han marcado su recorrido. En 2012 comienza un camino de investigación individual, en el que se centra en los conceptos de remezcla, impureza y periferia y en el uso del cuerpo para la escena contemporánea. Seleccionado en el Laboratorio internacional de teatro de la Bienal de Venecia, trabaja con la compañía de danza teatro belga Peeping Tom (Gabriela Carrizo). Es también Máster de profesorado por la Universidad de Málaga e comienza a imparte talleres sobre Nuevas Dramaturgias y Creación contemporánea.

“An artist who doesn’t speak english is not an artist“ o, para quién no hable inglés, “Un artista que no habla inglés no es artista”. Así rezaba la pieza textil que Mladen Stilinović produjo allá por 1992. Han pasado décadas desde que el artista de Belgrado se posicionaba, irónicamente, en el mercado internacional. La palabra “NO” resaltaba en rojo sobre el fondo rosa, enfatizada por la estridencia de su propio significado, que a día de hoy sigue vigente.

Alessandra García parece hablarnos desde esa negación, desde ese lugar en el que se afirma como artista que no habla inglés, que no habla idiomas en general, como tantos otros artistas de un sur mediterráneo. El incansable ejercicio vocal y gestual que nos presenta en “LoS i Diomas ” no es un texto, sino la imagen que tenemos de las palabras — una especie de tipografía ininteligible — traducida desde la voz. Al contrario que Nora Turato o Hanne Lippard, artistas que copan los circuitos internacionales y se valen de su correcto inglés como forma de seducción, ya sea de manera sosegada y sutil en los textos de Lippard o en el discurso atropellado y chirriante de Turato, Alessandra usa el idioma como una forma política en sí misma, vaciándolo de lenguaje estricto.

"Los idiomas" es una declaración de intenciones, un intento de subversión de la mística del lenguaje enfocado en la búsqueda de una herramienta comunicativa que no es fruto de un aprendizaje reglado o normativo. Esta performance abre de nuevo el debate sobre el canon occidental del arte, pues es innegable la complicidad de los estándares lingüísticos con el neo-feudalismo y la opresión que sufren aquellos que por razones de clase, género o procedencia no hablan correctamente los idiomas.

El lago hierve, las olas mugen es una co-creacion escénica entre Laura C. Vela, Miguel Aparicio y Xirou Xiao, tres artistas interdisciplinares con base en Madrid. Durante la pieza, creamos un espacio de diálogo y descubrimiento a partir del cuerpo-libro, de las imágenes y palabras que lo forman, y de distintos espacios sonoros dando lugar a un nuevo cuerpo-libro colectivo.

Así, esta pieza es un recorrido asociativo entre diferentes soportes y lenguajes artísticos: fotografía, poesía, ensayo, dibujos, acciones, idioma chino, escritura china, música o sonidos son los elementos por los que transitaremos en una narración sensitiva, emocional y conceptual. Cada elemento nos llevara al siguiente, con su necesaria transformación, resonancia, contrapunto o contradicción.

Gualicho, (lengua mapuche) es el nombre que los indios tehuelches dan al espíritu del mal y a la práctica o encantamiento supersticioso que se realiza para causar daño a otra persona o atraer el amor de alguien.

Los tehuelches son un pueblo indígena de la Patagonia en América del Sur, cuyos exponentes actuales viven en Argentina y Chile. Su lengua mapuche los conecta con pueblos originarios amerindios más numerosos del Cono Sur, que habita en la zona centro y zona Sur de Chile y parte de Argentina. La palabra Mapuche está formada por MAPU (tierra, país) y CHE (persona, gente). Hasta el siglo XVIII, habría existido entre los integrantes de esta etnia la autodenominación che, 'gente', o reche, “gente verdadera”'. Históricamente ha sido un pueblo que resiste y lucha contra la injusticia de un “acuerdo” que les fue impuesto por la fuerza.

Esta pieza es un tratado del cuerpo sobre la descolonización y la Cultura Prehispánica Andina, una pieza fenomenológica que apunta a las experiencias, la memoria del territorio y la tradición. Está enmarcado en la teoría y el pensamiento que atiende a la descolonización de América Latina, desarrollado por filósofas, musicólogas y antropólogas como Isabel Aretz, Rita Segato, María Galindo y Gatón Soublette.

Partiendo de la cosmovisión mapuche, me gustaría crear un ritual cartográfico, simbólico, que alude a la conexión con la tierra y la naturaleza. La danza y la música se presentan aquí como un acto chamánico de curación, tal y como ellos entienden el arte y la vida.

“¿Quién está pasando apuros económicos?
Los creyentes estamos obligados a ser ricos.
Si usted es pobre es porque tiene una maldición y aquí se la podemos quitar.
Le invitamos a participar en nuestro Culto, hágase miembro de nuestra congregación
y descubra cómo vivir una vida con éxito.
Abandone la pobreza, venga a la opulencia. Cambie su rumbo.
¡Ven, experiméntalo! ¡Aleluya!”    

Culto a la abundancia es una reflexión y caricaturización de la sociedad capitalista en la que el dinero, y el ansia por obtenerlo, se han convertido en la nueva religión monoteísta de Occidente. Mammon, interpretado por la multidisciplinar actriz María J. Castañeda, es el Dios de esta religión que interactúa con el público en su particular veneración litúrgica del capitalismo exacerbado, que destruye los valores de cooperación y solidaridad, y que convence a los seres humanos de que la felicidad se esconde en la abundancia.

Con motivo de su actual exposición temporal, Pintar la luz, el Museo acoge una parte de la Colección Carmen Thyssen que permite evidenciar la transformación de los lenguajes pictóricos como formas de expresión de su momento cultural, social y político. Este concepto, que es parte esencial del hecho escénico mismo, nos inspira para pensar sobre el cambio, el tránsito hacia lo diferente, el proceso. El resurgimiento, en el mejor de los horizontes, o la involución y el desastre, en el peor imaginario. O tal vez la transformación en su sentido más neutro, ajena a toda valoración moral.

Si en la 1ª edición, la máscara fue el tema detonante de las reflexiones en torno a las identidades (quiénes somos), este año, "Transformaciones" plantea la pregunta de hacia dónde vamos, situándonos en ese instante crucial en el que la realidad empieza a desconocerse para vislumbrar lo siguiente.

Con la colaboración de: 

“Pajarico” de Dita Segura e Iro Vasalou
Lenguaje escénico: La obra utiliza como herramientas escénicas el canto, la palabra y la danza, construyendo una dramaturgia multidisciplinar con el fin de activar un proceso de interpretación visceral y asociativa para el público.
Sinopsis: El mundo de Pajarico es absurdo a la vez que familiar, es reconocible a la vez que distante... Este efecto es resultado de las mascaras: Los picos dan forma a dos personajes que parecen híbridos de dos mundos distintos, la época de la peste y el teatro de comedia del arte. Y que imagen más irónica, la retención espacial y la oscuridad de la peste simbolizada por el aspecto del animal más libre y viajero - el pájaro. No podemos evitar jugar con esta ironía. Así, entre el humor y lo tétrico, Pajarico va tejiendo un cuento sobre la aislación en casa – cada cosa que puede ser casa, incluso la máscara misma – la intimidad y la seguridad de ese interior. Al final, y cuando la obra recorre su segunda mitad más narrativa, enseña el proceso de sacar la máscara, arriesgarse, dar este paso afuera de la puerta, acercarse a la otra persona y compartir.
Ficha técnica: Dita Segura (idea original, interpretación y escenografía), Iro Vasalou (idea original, interpretación, coreografía y textos), Alejandro Lévar (diseño de música) y Ariel Cruz (fotografía y vídeo).

Con el apoyo de

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“Los ingenuos” de José Andrés López (Viviseccionados) y Virginia Rota
Lenguaje escénico: La pieza es multidisciplinar creando un diálogo entre las artes visuales y plásticas de Virginia Rota con las artes escénicas y textuales de José Andrés López.
Sinopsis: A través de una serie de entrevistas grabadas a desconocidos en los que tratamos temas como la identidad, el futuro y sus expectativas, la relación con el cuerpo y los logros alcanzados, que posteriormente serán producidas y proyectadas, reflexionamos sobre la posibilidad de las personas para llegar a ser como proyectan y su relación con el deseo, enmarcado dentro de un espacio temporal y físico. Y a su vez, a través de la palabra y el cuerpo del actor se trabaja sobre estos mismos conceptos en escena, creando un diálogo tanto interdisciplinar como interpersonal.
Ficha técnica: José Andrés López (dirección e interpretación) y Virginia Rota (arte visual).

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“El callejón” de Eun Kang (Mu Teatro)
Lenguaje escénico: Teatro físico con máscaras.
Sinopsis:  Un callejón estrecho, escondido y oscuro donde habitan las máscaras que todos llevamos pegadas al alma. Las que conoces, las que ocultas y las que se muestran. El Callejón es el lugar donde los espejos valleinclanescos deforman tu realidad hasta confundir la verdad y el sueño. Nos adentraremos en un viaje hipnótico e irreal, que revelará lo absurdo y lo grotesco de nuestros deseos y oscuros secretos.
Ficha técnica: Eun Kang (dirección), Pape Labraca (interpretación) y Lucía G. Lara (interpretación).

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“Maskarada” de Nerea Gorriti y Francisco Lidón Plaza (¡Ay Teatro!)
Lenguaje escénico: Desde un punto de partida teatral se intenta reproducir al ambiente de las fiestas populares con su componente de ritual y ceremonia colectiva, incluyendo música, baile, representación, etc.
Sinopsis: Dos comediantes, ataviados con vestuarios tradicionales inspirados en las fiestas populares y mascaradas del folclore vasco, hacen su aparición estruendosa con una cencerrada, se presentan al público y dan comienzo a la farsa. Representan dos entremeses entrelazados con música y danza. Dos piezas satíricas breves donde se ridiculiza a personajes típicos y reconocibles (el marido celoso, el viejo avaro, etc.) utilizando códigos como la Comedia del Arte o el esperpento. Es una mascarada desenfadada que sin embargo esconde una cara no tan jocosa: temas como La desigualdad o el sometimiento de la mujer por las normas patriarcales de la sociedad. La tradición se entremezcla con la realidad más actual, como los prejuicios sociales o la lucha de la mujer por la igualdad. También se traslucen temas más simbólicos y universales como el enfrentamiento entre el bien y el mal, a través de personajes con resonancias mitológicas como el asno y el diablo, que se encarnan en la escena por medio de máscaras.
Ficha técnica: Francisco Lidón (dirección e interpretación) y Nerea Gorriti (interpretación).

Con el apoyo de

Con motivo de su próxima exposición temporal, el Museo acogerá una serie de obras que, articuladas bajo el motivo simbólico de “la máscara”, despliega un discurso diverso en torno a los conceptos de identidad, cuerpo, autenticidad, apariencia, realidad, farsa, etc.

Los proyectos estarán destinados a un público adulto y deberán inspirarse en uno o varios de los aspectos que puedan emanar del discurso expositivo.

Las piezas podrán ser originales o adaptaciones de montajes previos siempre que se ajusten a las necesidades de formato y contenido expuestos.

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Equipo técnico audiovisual disponible en el Museo: descargar